Existindo na Inexistência

[LISTA] HQs e Mangás Lidos em 2011

2011-12-31T11:47:00.000-02:00

Além de ter concluído a leitura de duas séries que há muito tempo eu queria conferir, Os Invisíveis e Promethea, finalmente li outras duas que considero obrigatórias para qualquer leitor de quadrinhos que aprecie boas histórias, personagens cativantes e, no caso da última, um dos trabalhos de arte mais impressionantes da história dos quadrinhos: Preacher e Akira.

Fora estas, o que se destacou entre as HQs e mangás que li foram: Daytripper, Asterios Polyp, Três Sombras, Os Escapistas, Gotham City Contra o Crime, The Umbrella Academy - Dallas, Os Maiores Clássicos do Poderoso Thor, Ao Coração da Tempestade, Breakdowns - Retrato de um Artista Quando Jovem %@&*!, Fábulas Apresenta - João das Fábulas, Transmetropolitan Volume 2 e o trabalho de Brian Michael Bendis em Ultimate Comics Spider-Man, que continua excelente.

Parei de colecionar Os Novos Vingadores e Avante, Vingadores! com o término da saga O Cerco, e Lanterna Verde, quando foi concluída a saga A Noite Mais Densa, todas elas por meu descontentamento com a mesmice que andava acometendo ambas as séries.

Das HQs mensais, só fiquei com Batman, que só compro quando sai histórias escritas por Grant Morrison, e Vertigo, que continua sendo um dos melhores mixes publicados atualmente. E, claro, continuo minhas coleções de encadernados das séries Fábulas (de longe a melhor de todas), Y - O Último Homem, Ex Machina e Jonah Hex.

Segue abaixo a lista completa:

- The Invisibles Volume 7: The Invisible Kingdom
- Xampu
- A Torre Negra: Nasce o Pistoleiro #1 a 7
- A Torre Negra: O Longo Caminho Para Casa #1 a 5
- A Torre Negra: Traição #1 a 6
- Buda Volumes 1 a 14
- Fábulas Volumes 7 a 9
- Lanterna Verde #29 e 30
- A Noite Mais Densa #7 e 8
- Reinado Sombrio #13 a 18
- O Cerco #1 a 4
- Os Novos Vingadores #84 a 91
- Avante, Vingadores! #48
- A Morte de Hércules
- Universo Marvel Anual #4
- Taxi
- The Umbrella Academy - Dallas
- Promethea Livros 3 a 5 (em inglês)
- Superman 70 Anos 1 a 4
- Batman 70 Anos 1 a 4
- Os Maiores Clássicos do Poderoso Thor - Volumes 1 a 4
- Ultimate Comics Spider-Man #1 a 21 (em inglês)
- Ultimate Spider-Man #156 a 160 (em inglês)
- Ultimate Comics Captain America #1 a 4 (em inglês)
- Ultimate Comics Thor #1 a 3 (em inglês)
- Ultimate Comics Iron Man: Armor Wars #1 a 4 (em inglês)
- Ultimate Comics New Ultimates #1 a 5 (em inglês)
- Ultimate Comics Avengers Volumes 1 a 3
- Ultimate Comics Avengers vs. New Ultimates #1 a 6
- Biblioteca Histórica Marvel - Quarteto Fantástico - Volume 1
- Biblioteca Histórica Marvel - Homem-Aranha - Volume 1
- Neon Genesis Evangelion #23 e 24
- Preacher Volumes 1 a 9
- Preacher Especial - Os Bons Companheiros
- Preacher Especial #2 - Cassidy: Sangue & Whiskey
- Preacher Especial #3 - O Homem da Guerra
- Daytripper
- Asterios Polyp
- Três Sombras
- 10 Pãezinhos: Fanzine
- 10 Pãezinhos: O Girassol e a Lua
- 10 Pãezinhos: Crítica
- 10 Pãezinhos: Mesa Para Dois
- Coleção Moebius: Arzach
- Quando Eu Cresci
- Os Escapistas
- O Necronauta - Volume 1
- Birds
- Ao Coração da Tempestade
- Bando de Dois
- Lost Girls Livros 1 a 3
- Grandes Heróis Marvel: Os Surpreendentes Homem Aranha & Wolverine #01 a 03
- Biblioteca Histórica Marvel - Os Vingadores - Volume 1
- Gotham City Contra o Crime Volumes 1 a 6 (publicados em DC Especial #5, 8, 11, 13, 14 e 16)
- Powers Volume 1
- Breakdowns: Retrato do Artista Quando Jovem %@&*!
- The Walking Dead Volumes 14 e 15 (importadas)
- Loveless - Terra Sem Lei: O Caminho da Vingança
- Loveless - Terra sem Lei: A Queda de Blackwater
- Jonah Hex Volumes 3 e 4
- Lex Luthor - Homem de Aço
- Akira #1 a 38 (Ed. Globo)
- Vertigo (Panini) #16 a 20
- Fábulas Apresenta - João das Fábulas #1 e 2
- Tune 8
- Transmetropolitan Volume 2
- Duo.Tone
- Melodia Infernal Volumes 1 e 2
- MSP Novos 50
- Na Prisão
- Gullivera
- Justine
- Capitão América: Operação Renascimento
- Batman Incorporated #1 a 8
- Batman Incorporated: Leviathan Strikes!
- Batman Crônicas Volume 2
- Coleção DC 75 Anos Volumes 1 e 2

[LISTA] Livros Lidos em 2011

2011-12-31T11:40:00.001-02:00

Foi um ano moderado na leitura de livros, mas consegui realizar algumas com que sonhava há alguns anos, como concluir A Torre Negra, finalmente vencer as mais de 1800 páginas dos dois volumes de Musashi, e ler a trilogia Fundação do mestre Isaac Asimov.

Como este também foi o ano em que resolvi estudar mais a fundo uma das minhas maiores paixões, como forma de aquecimento para o curso de Teoria, Linguagem e Crítica Cinematográfica que fiz em dezembro, li alguns livros sobre a 7ª arte, que ocuparam boa parte do meu tempo no último semestre.

Confira abaixo a lista completa:

A Torre Negra - Volume 5: Lobos de Calla (Stephen King)
A Torre Negra - Volume 6: Canção de Susannah (Stephen King)
A Torre Negra - Volume 7: A Torre Negra (Stephen King)
Minority Report - A Nova Lei (Philip K. Dick)
O Caçador de Andróides (Philip K. Dick)
Valis (Philip K. Dick)
A Fantástica Fábrica de Chocolates (Roald Dahl)
Fundação (Isaac Asimov)
Segunda Fundação (Isaac Asimov)
Fundação e Império(Isaac Asimov)
Peter Pan (J. M. Barrie)
Musashi: Volume 1 (Eiji Yoshikawa)
Musashi: Volume 2 (Eiji Yoshikawa)
O Tao da Física (Fritjof Capra)
The Art of Watching Films (Joseph M. Boggs e Dennis W. Petrie)
Esculpir o Tempo (Andrei Tarkovski)
Conversas com Scorsese (Richard Schickel)

[LISTA] Séries Assistidas em 2011

2011-12-31T11:40:00.000-02:00

Comecei 2011 terminando a maratona de uma das séries que eu mais tinha vontade de assistir do início ao fim, Arquivo X, além de concluir uma das melhores séries policiais (e de qualquer gênero) já produzidas para a TV americana: The Wire.

Feito isto, selecionar entre todas as séries que tinha aqui em casa, aquelas que estavam entre as mais elogiadas, premiadas e aclamadas dos últimos anos.

Será difícil superar um ano em que assisti The Sopranos (acompanhada de Seinfeld), Battlestar Galactica, Six Feet Under, a excepcional 4ª temporada de Breaking Bad, e a escalada de qualidade de Fringe no final de sua 3ª temporada, além de sua reinvenção no início da 4ª.

Ah sim, e finalmente comecei a assistir Dexter, a série que mais recomendações recebi de amigos.

Em suma, um dos anos mais fartos de séries de TV. Depois destas ficou mais difícil me convencerem a assistir qualquer produção mediana, o que infelizmente foi o caso da maior decepção que tive este ano, a 2ª temporada de Boardwalk Empire, que começou muito bem, e depois só foi decaindo.

Arquivo X (8ª e 9ª temporadas)
The Wire (5ª temporada)
Lone Gunmen (série completa - 1 temporada)
The Sopranos (série completa - 6 temporadas)
The Prisoner (série completa - 1 temporada)
Fringe (3ª temporada - episódios 10 a 22)
The Pacific (série completa - 1 temporada)
Seinfeld (série completa - 9 temporada)
Battlestar Galactica
Breaking Bad (4ª temporada)
Six Feet Under
Dexter (1ª temporada)
Game of Thrones (1ª temporada)
House (7ª temporada)
Fringe (4ª temporada - até episódio 7)
Boardwalk Empire (2ª temporada)

[CRITICA] Harry Potter e As Relíquias da Morte - Parte 2

2011-07-18T12:54:00.004-03:00

ATENÇÃO: há alguns SPOILERS para quem não assistiu o filme.

Direção: David Yates
Roteiro: Steve Kloves
Elenco: Daniel Radcliffe (Harry Potter), Emma Watson (Hermione Granger), Rupert Grint (Ron Weasley), Ralph Fiennes (Lord Voldemort), Alan Rickman (Severus Snape), Helena Bonham Carter (Bellatrix Lestrange), Matthew Lewis (Neville Longbottom), Evanna Lynch (Luna Lovegood)
Duração: 130 min.
Ano: 2011

Com um começo tumultuado, movido a muita correria, destruição, e mortes off-screen de alguns personagens que tiveram sua importância anteriormente na série, este último capítulo de Harry Potter cumpre bem a tarefa de transpôr para a telona todo o caos e desordem que se instalam no maior conflito de bruxos já retratado na série e, arrisco dizer, na história do cinema.

É quase impossível não relacionar a grande batalha que ocorre em Hogwarts, aos combates épicos que marcaram o capítulo final da trilogia "O Senhor dos Anéis". Tem de tudo, desde grandes massas humanas se chocando, até trolls gigantes tocando o terror na multidão de alunos e professores lutando lado a lado desesperadamente. Tudo impressionante e visualmente impactante, mas é justamente aí que reside a maioria dos problemas.

Na maior parte do filme David Yates dirige a história com certo distanciamento, e em vários momentos pode-se acusá-lo de uma frieza que compromete o choque emocional que diversas cenas tinham o potencial de exibir.

Personagens que conquistaram a simpatia do público ao longo da série se despedem sem ganharem sequer uma morte digna de ser exibida, e não há toda a preocupação que o diretor teve no capítulo anterior em mostrar a maneira como protagonistas e coadjuvantes estão sendo afetados por toda a tragédia que os cerca. Neste ponto a direção de David Yates decepciona por ser quase inteiramente burocrática.

Apesar das falhas, o diretor acerta, creio que especialmente graças ao roteiro de Steve Kloves, na cuidadosa seqüência em que Snape, enfim, alcança sua redenção. É um dos poucos momentos realmente emocionantes deste último filme aquele no qual vemos todas as ações, atitudes e posturas adotadas pelo personagem diante de Harry Potter serem justificados. Sempre considerei Snape um dos personagens mais intrigantes e complexos da saga, e vê-lo finalmente sob uma perspectiva que justifica suas escolhas, e que ainda por cima serve como forma de desmistificar um outro personagem, tido até aqui como a bússola moral da série, é um dos grandes momentos de toda a série.

É inteligente também a variação que a fotografia de Eduardo Serra sofre ao longo do filme. Reparem como ela se torna mais granulada e "suja" quando as cenas de batalha se tornam mais intensas, remetendo diretamente a filmes de guerra como O Resgate do Soldado Ryan e Cartas de Iwo Jima.

Outro acerto de Yates é a forma como ele retrata a passagem em que Harry se encontra em seu "pós-vida pessoal". Aquela dimensão mergulhada em luz funciona perfeitamente como contraponto da floresta escura na qual o personagem "morre" nas mãos de seu nêmesis, que pode ser interpretada simbolicamente como uma extensão da mente corrompida de Voldemort.

Além disto, a decisão de representar o fragmento da alma do vilão que vive dentro de Harry Potter como um bebê abortado, além de ser ousada para uma série que começou de maneira tão inocente e encantadora, é rica em seu simbolismo, e demonstra o respeito do diretor pela inteligência crescente de um público que teve seu gosto amadurecido ao longo de 7 filmes que serviram tão bem a este propósito.

Mas, apesar de toda a qualidade técnica, "Relíquias da Morte 2" é sintético demais, e falho como celebração do grande feito que a série representou para o cinema, e na tarefa de transmitir para o público a sensação de vitória dos personagens diante do maior desafio de suas vidas. Quando a história chega à sua conclusão, ela soa anti-climática, e perde ainda mais sua força quando sede espaço à elipse final.

Quando a última cena é exibida, fica difícil não pensar que Harry Potter merecia um filme com duração maior, que se preocupasse mais em oferecer uma despedida emocionalmente marcante, do que uma seqüência de cenas de ação grandiosas, lotadas de efeitos especiais de primeira linha, mas sem aquele calor humano que esperamos sentir em nossos momentos finais ao lado daqueles personagens com que convivemos por quase 10 anos.

[TOP 5] Personagens mais machos pra caralho da história dos animes

2011-07-14T20:12:00.001-03:00

De volta das trevas mortiferas do mal, vou ser sincero com vcs: eu não assisto anime.
De boa, acho que faz uns anos que não assisto mesmo. Sabe pq? Ora, é claro que sabe. Não olha pro lado ae que é contigo mesmo, roscafroxa.

Eu não assisto anime pq anime é coisa de viado.

Eu sei, vc sabe, todo mundo sabe. Anime não é coisa de quem dá ré no kibe, morde fronha, senta no quiabo, joga pedra com a mão esquerda, dorme de meia, pisa na chapinha, pisa fora da faixa, agasalha o croquete, foi criado pela vó, queima Rosca, peida vento, engole cobra, essa coca é fanta, sóca bosta, jogava com o Andy Bogard, esse chá mate é erva doce, esse mato é grama, esse cavalo é poney, essa tábua leva prego e por aí vai (vou parar antes que fique forçado)

Esse é vc assistindo anime

Sabe, realmente me deixa triste que uma terra que nos deu FUCKING SAMURAIS DO CARALHO e MALDITOS NINJAS FR00M H33LL tenha virado uma terra de viadagem e frescura incapazes de fazer algo minimamente assistivel. Sério amarelos, o que diabos aconteceu com vcs?
Bem, não importa, a pergunta foi apenas retórica. O que eu queria dizer é que eu não assisto anime pq é chato pra caralho com personagens forçados e toscos que nem ser engraçados sabem (te desafio a contar nos dedos quantas vezes vc ja riu assistindo anime, RA!). E se alguém não sabe ser engraçado, que esperança podemos ter que eles vão fazer algo macho pra caralho, ogro, ignorante, masculo e respeitavel?

Pouca gafanhoto, muito pouca
ENTRETANTO TODAVIA CONTUDO, eu, o seu paladino ninja da justiça hermética te trago aqui o raríssimo, inenarrável, ululante e apogéico TOP 5 dos personagens machos pra caralho!!!

E essa foi a terra dos honrados samurais...

(sim, isso é um cara)

Existem muitos personagens do sexo masculino em animes. Desses, poucos são machos. E desses poucos, apenas um punhado são MACHOS, PORRA!

5º - Sanosuke Sagara (Rurouni Kenshin)

Sério, aquele animezinho fresco que passava na TV Globinho é uma das bostas mais chatas que os amarelos já tiveram a pachorra de inventar. Básicamente é sobre cara que querem parecer mulher (e no original falam com voz de mulher, ao menos a dublagem nacional teve a decencia de fazer uma voz decente de locutor de velório) saltitando de um lado pro outro com espadinhas e dizendo que o shikumuruken no ratobolotosila dele é mais poderoso que o nikifuriussen nu sacumurchumutanti do outro. Repete ad infinitum.

Não obstante, é a chance dos otakus molharem as calças de emoção sobre o quanto o coco verde gelado dos japoneses é melhor que dinamite e a história de um país de vileiros que tomou duas bombas na cabeça. Mas onde eu estava? Ah sim, aquela bichisse chata pra caralho de Rurouni Kenshin. Mas não vou ser muito injusto nem duro com os caras, tinha um personagem macho pra caralho (apenas por sorte, eu acho)

Já dizia o lendário malandro lampião (que tem filha mulher só pra nunca ficar na mão) que macho que é macho de verdade VEM NA MÃO PORRA!

Enquanto TODOS os personagens do anime são gazelas saltitantes se achando a ultima coca-cola do deserto com suas espadinhas bichas, o cara saia NA MÃO contra os malucos armados. Porra, tu não sai na mão nem contra vileiro com cortador de unha, quiça sair na mão contra malucos de espada tio!

Claro, naturalmente ele apanhava mais do que dois e meio de paus em jogo de munchikin - porque o objetivo supremo dos viados é mostrar que a viadagem é o unico caminho certo na vida - mas isso é detalhe. FODA-SE isso.

O cara tinha culhões para resolver as coisas na mão e isso é algo que temos que respeitar.

E acho que ele tentava pegar alguem, mas ai é querer demais da minha memória mascula e viril, então vou fingir que é isso que acontece. Sigamos.

Isso é tudo que se precisa contra gazelinhas frescas amarelhas.

Use em quem te disser o contrário

3º Ikki de Fênix – Cavaleiros do Zodiaco
Se tem uma coisa que eu aprendi com cavaleiros, foi que machisse não é genética. Veja só a história desse garoto latino-japones sem dinheiro no banco, sem amigos importantes e vindo do interior. O Michael Jackson japones decidiu que era massa fazer rinha de crianças para assistir se masturbando. Bem, quem sou eu para criticar os gostos de um homem...
Mas como não era emocionante o bastante, ele decidiu que precisava mandar os pias aleatóriamente pelo mundo para que eles voltassem gente e não personagens de anime. Infelizmente isso é muito dificil de se conseguir num anime, mas o velho tinha esperança que ao menos um deles vingaria. Acontece então que o piazinho mais pegador de bisnaga do pedaço foi sorteado pra um lugar chamado ILHA DA RAINHA DA MORTE.
Cara, sério, imagina um guri que chora lendo Crepusculo sendo mandado pra um lugar chamado ILHA DA RAINHA DA MORTE. Deixa eu repetir: ILHA. DA. RAINHA. DA. MORTE. Sentiu o tamanho do pepino mermão?
Enquanto o guri chorava se perguntando como faria para seu toba passar pela porta depois de ir pra um antro de macheza desse naipe, o irmão dele se levantou e disse: "E tu é o malandro da Irlanda, dá o cu só pra não colocar guirlanda".
Nesse instante Chuck Norris encostou a bunda na parede, pq o ato foi de uma macheza atróz devoradora de mundos. Porra. ILHA. DA. RAINHA. DA. MORTE. Não era ilha da rainha do samba nem ilha da princesa do amor era ILHA. DA. RAINHA. DA. MORTE.
Mas aí ele foi. E lá a coisa era hardpunkcorefr0mh33ll, mas ele tirou de boa.
E aí que tinha uma cocotinha na ilha. Uma só. E sendo o macho alfa que é, ele deu uns pegas na única mulher da ILHA. DA. RAINHA. DA. MORTE. Porra, tu ae que não pega nem gripe A vestido de porco tem que admitir que é de uma fodonice impar. Pensa só: saca só a única guria da sala? Ou a única guria da festa? Tu sabe que essa figura invariavelmente possui um séquito de machos dispostos a lamber o chão pra ela pisar (isso não é um exagero, se por algum acidente inacreditavel miraculoso da natureza estiver lendo isso, faça o teste). Agora imagina o quão foda é o cara que chega no meio do bolinho e pega ela e créu velocidade 5. Muito foda, né?
Mas aí acontece que o pai dela, que tava de boa com isso, assistiu a nova trilogia de Star Wars e viu o quão estar xonadinho caga um personagem foda. Disposto a evitar que isso acontecesse, ele decidiu matar a cocota só pro cara - que já era o cão - ficar mais mau que um pica-pau malucão azulão do SBT. E o que o nosso herói fez? A UNICA coisa que um macho de responsa faria: arrancou o coração do cara. ARRANCOU. O. CORAÇÃO. DO.CARA. PORRAAAA! Só ele e Kano fazem isso!
De lá pra cá Ikki conseguiu a façanha de nunca ser desmoralizado - isso em um anime que é tipo uma Paixão de Cristo para otakus. Alem de não andar com os moleques fresquinhos e só aparecer pra ser o cara foda e salvar o dia, ele conseguiu várias façanhas incriveis como ser o único cara na história geral do universo a relar a mão no FUCKING AVATAR DE BUDAH. O seu golpe consiste em fazer o adversário chorando em posição fetal como uma menininha atacada pelo Jeremias pé-de-mesa.
Ele é tão foda, mas tão foda que quando ele morre e vai pro inferno ele é chutado de volta pq o cão teme pelo seu toba.
E com isso eu não preciso dizer mais nada.
2º Kenshiro – Hokuto no Ken

Oh, nem me faça começar. Hokuto no Ken é testosterona prensada. Sua macheza é para os Animes o que Braddock é para os filmes, Duke Nukem para os videogames, Wolverine para os gibis, Conan para a literatura e Manowar para a música. De fato, após ler HnK pela primeira vez, ao desligar o PC eu percebi que meus colhões triplicaram de tamanho, minha barba cresceu de um cavanhaque patético para uma juba que faria Gimli e os anões do Senhor dos Anéis orgulhosos e minha voz engrossou á níveis Vaderescos. Uma transexual que leu o primeiro volume percebeu que o seu pinto cresceu de novo e triplicou de tamanho. Uma mulher que tocou na primeira página ficou grávida de trigêmeos. Esse é o nível de macheza que temos.

nos anos 80, uma dupla de artistas Japas resolveram criar o mangá mais macho e todos os tempos. E conseguiram. E é por isso que existem bichisses como Escaflowne e Gundam, pq Kenshiro gastou toda macheza disponivel naquela metade do mundo. Eu poderia dizer mais sobre Kenshiro, mas a verdade é que tudo que pode ser dito de foda já foi dito pelo Amer

http://blogdohammer.blogspot.com/2009/05/hokuto-no-ken-o-desenho-mais-macho-que.html

WAAAA-TCHAAAAAAAAAAAAA!!!

“Vilões não precisam de túmulos”

1º Sakura

– Sakura Card Captor

aí você me diz "tá de sacanage comigo né rapa!" Ta achando que berimbau é gaita manolo e por aí vaí né. Ao que responderei oakjslkda e você perguntará "hã?" e eu responderei "crã". Bom, como estou de saco cheio de escrever vamos direto ao ponto: porque sakura é o cabra mais macho do país dos cabras não machos?

Vamos lá, por algum motivo que eu não lembro agora, a guria é a responsavel pelo baralho mágico que sumona demonios do inferno. Sei lá, acho que ela comprou um Sempre Livre e veio de brinde - a julgar pelos comerciais é bem possível. Seja como for, os cramulhão sairam por aí tocando terror como gremilins que comeram pizza de catupiry e a guria tem que caçar eles.

E como ela faz isso? Empurrando eles de volta pra carta de onde eles sairam. Ok, até aí ok. Normal. Super. Tipo.

Mas não é o que se faz, mas não, é COMO se faz.

E como ela faz? Ela MARRETA os bichos de volta para as cartas! POUTA QUE O PAREO! ELA RESOLVE A COISA NA MARRETADA! SABE QUEM MAIS RESOLVE AS COISAS NA MARRETADA? THOR! O MALDITO THOR E A SAKURA BOLUDA! E ELA SENTA A MARRETA USANDO ROLLERS! POUTA MERDA BÁTIMA!

VEM NI MIM QUE EU TE MARRETO CARAIO!

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Essa frase tem tanta macheza que eu choraria se fosse fisicamente capaz de faze-lo.

Ela é tão macho, mas tão macho que todo mundo nessa série quer dar desesperadamente. Mas todo mundo mesmo quer provar o vai-vem do seu baculo ensandecido. Desde a pirralha cola-velcro de 9 anos até o ursinho de pelucia falante. Sério, só Chuck Norris tem essa habilidade feromonica!

[REVIEW] O Prisioneiro (The Prisoner, 1967-1968)

2011-06-02T11:14:00.015-03:00

Um agente secreto pede demissão e vai embora pra casa, onde faz as malas e se prepara para sair de férias. Porém seus planos são frustrados quando é posto inconsciente, seqüestrado e levado para uma vila estranha, habitada por pessoas de diversas nacionalidades que não respondem por nomes, mas números. O lugar lhe é apresentado apenas como A Vila, e é informado de que a partir de então ele será o Número 6. Como se o cenário já não fosse estranho o bastante, ele deve lidar com o Número 2, o responsável pela administração da Vila, que insiste em saber por que motivo o agente pediu demissão, e para tanto não hesita em empregar os mais variados métodos de coerção e extração de informações.

O Prisioneiro é uma das séries mais estilosas já concebidas. A começar pela abertura (que vocês podem conferir no vídeo logo abaixo), que sempre apresenta sua premissa, desde o momento que ele pede demissão, seu seqüestro, e seu despertar na Vila. A montagem dinâmica, acompanhada pela ótima música tema, dá o tom que dominará todos os 17 episódios da série.

Se adequando à arquitetura peculiar do local, que gera estranheza, os habitantes da Vila usam roupas coloridas e espalhafatosas, além de quase todos carregarem guarda-chuvas igualmente coloridos. A direção de arte também merece elogios. Para superar as limitações técnicas da época, e dar mais valor às idéias e conceitos apresentados, foi sabiamente usada uma representação estilizada da alta tecnologia empregada pelos personagens. Os telefones sem fio usados pelo Número 2 para se comunicar com outros setores da Vila, a cadeira esférica de onde ele observa as atividades do Número 6, a sala de vigilância circular, com sua gangorra giratória, são todos elementos que merecem uma atenção especial enquanto acompanhamos o desenrolar de cada episódio.

A Vila

Mas o aspecto surreal da série não pára por aí. O Número 6 logo descobre que suas tentativas de fugir do local são quase sempre frustradas por uma estranha criatura (?) denominada Rover (Errante, em português), que "nasce" do leito oceânico, tem a aparência de um grande balão branco, e anuncia sua chegada com um rugido semelhante ao de um leão. Além disto suas tentativas de se encontrar com o Número 1, a mente por trás de todo aquele complexo e engenhoso esquema, sempre são recebidas de maneira evasiva pelas várias encarnações do Número 2. E este é outro aspecto curioso da série: cada episódio apresenta uma pessoa diferente ocupando o posto de administrador da Vila, e empregando estratégias variadas para descobrir o segredo por trás da demissão do Número 6. É justamente na variedade de técnicas e estratagemas usados por cada novo Número 2 que os roteiristas da série encontram espaço para experimentações narrativas.

O ameaçador Rover

Entre episódios tão variados há pérolas como "A. B. and C.", em que usam contra o Número 6 uma tecnologia para manipular seus sonhos, e através deles terem acesso à informação que tanto desejam. Vale mencionar que Christopher Nolan, diretor e roteirista do filme A Origem, já declarou que é fã da série, e manifestou diversas vezes seu desejo de adaptá-la para o cinema. Portanto não é nada difícil que este episódio em especial tenha sido uma das fontes de inspiração de seu último filme.

Outro episódio que merece ser comentado é "The Schizoid Man", no qual o Número 6 é substituído por um sósia idêntico a ele. O excelente roteiro não se contenta em criar apenas este problema, e faz com que o protagonista passe por uma avançada técnica de hipnose que o leva a acreditar que na verdade ele é o sósia, enquanto o sósia alega ser o Número 6 original. O roteiro de Terrence Feely é tão engenhoso que passamos o episódio inteiro partilhando das mesmas dúvidas que atormentam o Número 6, especialmente por já conhecermos o personagem, e sabermos que ele seria capaz de enganar seus inimigos fingindo ser o sósia. A história é conduzida de tal forma, e de maneira tão atordoante, que a dúvida persiste até a última cena, quando tudo é esclarecido.

Número 6 e seu sósia

(ou seria o contrário?)

A grande liberdade que os roteiristas tiveram ainda gerou episódios ousados como "Many Happy Returns", cuja primeira metade não apresenta nenhum diálogo, e se sustenta unicamente pela excelente montagem e o talento de Patrick McGoohan. Nele o Número 6 acorda em seu quarto na Vila e a encontra totalmente deserta. A partir daí acompanhamos sua solitária tentativa de fugir do local em uma jangada.

Já em "Do Not Forsake Me, Oh My Darling", Patrick McGoohan é substituído por Nigel Stock, que interpreta o Número 6 durante quase todo o episódio. Uma jogada arriscada, pois além de tratar-se do protagonista da história, McGoohan é o único ator recorrente da série. Na época ele estava impossibilitado de gravá-la, mas não queria que a produção fosse interrompida, e sugeriu a idéia de que o novo Número 2 usasse uma tecnologia que permitiria trocar uma mente por outra, uma premissa nada original, mas que na época rendeu um dos episódios mais curiosos da série, e um final que trouxe uma das melhores e mais inusitadas reviravoltas.

O Prisioneiro ainda encontrou espaço para debater temas como o papel da educação na sociedade, e os riscos de ela ser pervertida e usada como instrumento de condicionamento mental ("The General"); as estratégias de manipulação da consciência coletiva em eleições "democráticas" ("Free for All"); e a massificação de comportamentos em detrimento da iniciativa individual ("A Change of Mind").

Por trás de toda a história de um homem lutando contra um sistema que lhe foi imposto, visando a supremacia da individualidade sobre uma sociedade de gados, há ainda uma segunda possível leitura, em que toda a série funciona como uma grande alegoria da luta que todo ser humano trava para aflorar seus verdadeiros valores, seu eu profundo, indo contra a maré do que a sociedade espera de nós. Em diversos episódios seus roteiristas indicaram que a intenção não era apresentar uma história que busca ser apreendida de maneira superficial e objetiva, mas uma obra que permitisse várias leituras, construindo diversas camadas de realidade.

Número 2 em sua cadeira esférica

Vemos, por exemplo, no episódio "The Woman Who Are Dead" uma história de espionagem fantasiosa, cheia de exageros, e passagens que vão do cômico ao ridículo. Muitos podem considerá-lo um filler, uma enrolação, um desvio da trama principal, quando no final ele se mostra uma grande paródia, uma extrapolação da irrealidade presente na grande maioria dos filmes de espionagem da época. Mas o roteiro vai além, e quase literalmente acena a seu público, sugerindo que a própria série tem sua parcela de irrealidade, e que nada daquilo que foi visto até então pode ser levado ao pé da letra. O mesmo pode ser dito do episódio "Living in Harmony", em que logo na primeira cena somos jogados num cenário de Velho Oeste, algo que deve ter gerado alguma confusão para o público da época, mesmo após identificarem Patrick McGoohan no papel principal. Durante quase todo o episódio não há qualquer menção à Vila, ao Número 2, e o protagonista não é mais chamado de Número 6, mas de Xerife. Sabemos que trata-se da mesma série pelo letreiro no início anunciando seu nome, mas, fora isto, parece tratar-se de uma versão alternativa da história. Toda a farsa é revelada apenas no final, e o episódio acaba funcionando como outra dica para que o público não dê tanta importância para o que é apresentado na superfície, mas para a mensagem que se esconde por trás do que é visto.

Quanto ao final da série, sobre o qual não entrarei em detalhes, ele é o ponto de convergência de todos os temas abordados nos 16 episódios que o antecederam. Há uma densa camada de símbolos, metáforas e alegorias que envolve cada ação de cada personagem em cena. Não é o tipo de conclusão que responde diretamente todas as perguntas que a série gerou na mente de seus espectadores. Muito fica aberto a interpretações, mas não há como negar a genialidade por trás do que foi feito.

A interpretação de Patrick McGoohan como o Número 6 é essencial para que a série cative seu público. Sua atuação é intensa, frenética. Seus diálogos em diversos momentos adquirirem um nervosismo e urgência que são refletidos na montagem excepcionalmente dinâmica, cheia de cortes rápidos e precisos, que inserem o público naquele cabo de guerra disputado entre um homem e todo um sistema.

Patrick McGoohan e Leo McKern

Merecem destaque também alguns dos atores que interpretaram o Número 2, como Patrick Cargill, que faz uma das encarnações mais cruéis do vilão, levando o Número 6 a armar um engenhoso plano que volta suas estratégias contra ele próprio ("Hammer Into Anvil"). E Leo McKern, cuja participação foi tão marcante no início da série que foi chamado de volta para interpretar seu Número 2 num dos episódios mais fulminantes de O Prisioneiro, "Onde Upon a Time", considerado por muitos o melhor de todos. Nele o Número 6 e o Número 2 ficam presos juntos numa instalação subterrânea, onde entram numa verdadeira guerra psicológica que dura o episódio inteiro. O atrito entre os personagens é palpável, e fica evidente que cada ator está atuando em sua capacidade máxima. É o penúltimo episódio da série, e conduz o público de maneira brilhante ao seu ato final.

Aclamada e objeto de discussões até hoje, O Prisioneiro trás consigo uma enorme carga de criatividade e temas para reflexão que ainda continuam pertinentes. Mais de 40 anos depois de seu lançamento, ela permanece como uma série obrigatória aos admiradores de um ótimo suspense, mas, acima de tudo, àqueles que apreciam uma história bem contada.

Número 6 em seu Lotus 7

[DESABAFO] Um Pálido Reflexo do que Foi Outrora

2011-05-25T18:56:00.006-03:00

Este blog sempre foi um caos. Nunca seguiu uma única linha que orientasse seus posts. No início isto atraiu a atenção de muitos leitores, a maioria amigos meus. Eu escrevia sobre filosofia num post, no próximo postava algum desenho, uma tirinha desenhada toscamente, alguma foto ridícula minha, algum comentário idiota sobre algo que aconteceu, ou um relato sobre como foi meu dia ou minha semana, e assim seguiu por um tempo. Depois veio a fase da série de tirinhas Contos da Inexistência, protagonizada por mim, seguida da saga protagonizada pelos então Catabianos (Suki, Queza, Lolo, Tabi, Sarampo, e Lali), e depois disto vieram Bub e Bobo. Cada uma dessas fases refletindo direta ou indiretamente o que ocorria na minha vida, sejam as amizades que eu mantinha com um grupo de amigos com quem só tinha contato via internet, seja a frustração de estar num emprego onde meu trabalho não era devidamente valorizado, e lidava com um chefe que era um poço de ignorância.

Com o passar do tempo procurei criar um sistema, em que o blog se movia basicamente de tirinhas, alguns contos, e um ou outro post que abordasse minha vida pessoal. Teve uma fase em que eu parei de vez com as tirinhas e resolvi que só escreveria contos, e a partir daí a audiência do blog começou a cair.

A verdade é que o que me motivou a escrever este post foi a viagem no tempo que andei fazendo no último mês enquanto transferia pra esta versão do blog todos os posts, acompanhados de seus comentários, que se encontravam na versão antiga dele. Como bloquearam meu acesso à minha conta no Blogger da Globo, resolvi fazer isto como uma medida preventiva, antes que resolvam apagar meu blog antigo de seus servidores. Além disto, sempre fui um sujeito nostálgico, que procurava constantemente preservar lembranças escritas sobre minha vida. Houve uma época que eu chegava ao ponto de salvar em arquivos com todas as principais conversas que eu tinha com meus amigos no MSN (tenho muitas delas gravadas em CD até hoje). Portanto, não seria muito diferente no caso do meu blog. Já tive um no hoje falecido Weblogger, a primeira versão do Existindo na Inexistência, que apesar de não existir mais online, ainda tenho arquivado num CD. Ainda penso em acrescentar ao arquivo online da versão atual os posts que publiquei lá, pra unificar tudo.

(estou digitando livremente isto aqui, sem muito objetivo mesmo, então perdoem qualquer falta de um)

Acontece que o Existindo na Inexistência é um dos melhores registros do que foi minha vida nos últimos 9 anos. Dia 30 de maio o blog completa esta idade desde sua primeira versão. Não há muito o que comemorar na verdade, e nem penso em fazer nada de especial. Talvez isto aconteça ano que vem, quando o blog completar 10 anos de atividade, mas até lá ainda há de acontecer muita coisa, e nem sei se estarei no clima de fazer algo na ocasião.

Bom, o que estou tentando dizer aqui é que o blog claramente passou por muitas mudanças, que vão desde várias mudanças de postura quanto ao que postar, ao uso de colaboradores, algo que não aconteceu com tanta freqüência até 2009, quando resolvi aumentar o espaço para a participação de alguns amigos meus por aqui. Durou pouco mais de um ano até o gás acabar, e o blog ficar parado por meses.

Infelizmente o que acontece atualmente na internet não é nada animador para blogueiros da primeira geração que escreviam mais textos do que sustentava seus blogs com memes, vídeos do YouTube, ou links para outros blogs mais interessantes, tornando o aumento da audiência seu principal objetivo. Claro que quando nos propomos criar um blog, um do nossos principais objetivos é encontrar nosso público cativo, e esperar dele alguma participação que tanto nos incentive como nos ajude a nos aprimorar como escritores, ou desenhistas, no caso de quem faz tirinhas, como já foi meu caso diversas vezes. No início eu contava com um público razoavelmente fiel, que se deixou atrair pela experiência multifacetada que eu proporcionava. Talvez, apesar de eu ser mais jovem na época, eu era mais esperto, não conscientemente, mas deixava minha criatividade fluir sem muitas amarras, e daí surgia aquele caos todo do início. Se alguém não gostava de ler minhas longas, e muitas delas maçantes, reflexões filosóficas, tinha as tirinhas que eu fazia, ou algum post que abordava um assunto mais trivial de forma bem humorada, ou ainda alguma massagem de ego que eu proporcionava quando postava algo sobre meus amigos, fosse um desenho deles, um post felicitando-os pelo aniversário, ou uma foto comparando um deles com algum ator/atriz ou cantor(a) famoso(a). Coisas bobas, sem muito propósito, mas que agradam as pessoas justamente pela falta de grandes pretensões.

Uma coisa que notei enquanto fazia essa transferência de arquivos do antigo para o novo blog é que eu desaprendi a me divertir com o blog. Lembro que muitas vezes me dava a louca de dizer alguma coisa, ou desenhar, ou escrever, e eu ia lá e escrevia ou desenhava, sem muita razão de ser, e mesmo que saísse de qualquer jeito eu postava. Hoje isto meio que ficou relegado a meus tweets e minhas publicações no Facebook. Alguns aspectos de minha vida online se diluíram também para redes sociais como a Filmow e a Skoob. Às vezes sinto falta do Existindo na Inexistência como centralizador de minhas atividades, mas, é algo que claramente faz parte do passado. A gente tem que se adaptar às mudanças, e talvez uma das maiores foi a dissolução de meu "público-leitor". Na verdade hoje ele praticamente inexiste. Há pessoas que acompanham as notas sobre filmes que escrevo no Filmow, e vez ou outra algumas pessoas elogiam o que escrevo por lá, mas nada como foi um dia aqui. Talvez eu não sirva pra isto, como ficou claro pela pouca atenção e participação que tiveram as críticas que postei por aqui nas últimas semanas.

Eu ando desmotivado de escrever, é isto. Cansei de escrever contos e críticas que são, em sua grande maioria, ignorados. Eu dependo de opiniões e críticas sobre o meu trabalho pra saber se estou fazendo a coisa certa, se estou seguindo o melhor caminho, e a ausência de leitores críticos sempre foi um problema que enfrentei aqui no blog desde o início. Salvo algumas exceções, a maioria me deixava no escuro quanto ao que eu estava fazendo, mas ainda sinto-me agradecido por quem participava do blog ativamente comentando posts, mesmo que de maneira superficial.

Meu blog já não tem mais o mesmo alcance que teve outrora. Muitos dos amigos que apareciam por aqui, me privilegiando com sua atenção e palavras, já não mantém mais contato comigo. Em parte isto é culpa minha, que me afastei de alguns deles por motivos variados, em parte é deles mesmos por perderem o interesse, ou porque estão ocupados cuidando de suas vidas, de seus problemas, dando um rumo pra elas, enquanto eu basicamente continuo girando em falso, sem saber muito bem o que fazer da minha.

Já tentei muita coisa. Tentei tomar muitos caminhos, iniciei muitos projetos solo e coletivos, que no final não deram em nada. Aqui no blog mesmo há uma parcela deles que ficaram incompletos. Alguns ainda devem se lembrar da série de tirinhas da Tartaruga, cuja última prometeu uma continuação que nunca veio. Outros podem se recordar da série de contos Árvores da Memória, que está paralizada há mais de um ano. Deve haver também aqueles que se lembram de Clara, cuja história foi interrompida no 6º capítulo, com a promessa de que se tornaria um livro (tenho escrito até o capítulo 17 num caderno de rascunhos, mas não mexo na história desde 2007). Essa minha mania de começar coisas e não terminá-las sempre me incomodou. Assim foi com a faculdade de publicidade e propaganda, e dois projetos de contos e histórias em quadrinhos direcionados para internet que eu faria com alguns amigos. Cansei disto em 2010, e resolvi que precisava encontrar um meio de reprogramar meu comportamento relativo à forma como eu me comprometia com aquilo que eu propunha fazer, e desde então comecei a elaborar e empregar meios mais eficazes de dividir meu tempo.

De início comecei a fazer isto para dar conta de assistir e ler tudo que vim acumulando nos últimos anos, desde livros a HQs, passando por séries de TV, animes e filmes. Depois comecei a dividir tudo isto em listas de prioridade, e comecei a ler e assistir o que eu julgava mais essencial e importante. E ao longo de 2010 fui me reeducando quanto ao uso de meu tempo livre. É um processo que dura até hoje, em que eu procuro reforçar atitudes e condicioná-las de tal forma que eu possa usar esse mesmo sistema quando finalmente voltar a pôr as mãos em alguns dos projetos que citei acima, além de outros que nem sequer dei início.

Quem me acompanha desde 2003 sabe que foram inúmeras as vezes que cheguei aqui anunciando que estava cheio de planos e idéias para serem postas em prática. No momento não posso dizer o mesmo, embora a vontade de pôr em prática algumas idéias antigas ainda exista, mas não sinto que estou no momento de fazer isto. Minha mente está sintonizada com outras atividades este ano. Muito pra assistir, muito pra ler, e espero tornar tudo que acumulei especialmente no ano passado e neste ano em referências preciosas para meus trabalhos futuros.

Eu ainda me considero um escritor mediano, que se encontra na linha tênue que separa o mediano do medíocre. Tive bons momentos, mas passei por outros tantos lastimáveis, e na viagem no tempo que realizei no último mês eu me peguei diversas vezes constrangido ao ler algo que escrevi alguns anos atrás. Isto é um problema que a maioria dos escritores têm que encarar algumas vezes na vida, sei disto, mas a verdade é que ainda me considero longe de atingir o nível ideal para me considerar um escritor, no mínimo, satisfatório. O mesmo diz respeito a meus desenhos, na verdade no caso deles é ainda pior. Sempre fui um cara que admirou mais as artes visuais do que a escrita, embora eu tenha mais facilidade para escrever. E quando me pego comparando meus trabalhos aos de outras pessoas, tudo que recebo em troca é falta de entusiasmo. Sei que é errado me comparar a caras cujo trabalho está anos-luz de qualidade do que eu produzi até hoje, e que tenho que seguir o meu ritmo, mas muitas vezes é inevitável que isto aconteça.

Meu Deus, acho que este texto não vai terminar nunca se eu não tomar uma atitude!

Bom, eu tinha mais coisas sobre o que falar, mas, pra variar, me perdi no meio do caminho, e agora já não me lembro delas. Que fique aqui registrado que estou ciente do que eu fui, e tenho vergonha de muito do que escrevi e postei por aqui em anos anteriores, mas, ao mesmo tempo, tenho algum orgulho de manter-me coerente com o objetivo deste blog, que é servir de registro sobre quem eu fui e como eu agia e pensava, sobre minhas amizades e atividades criativas um tanto canhestras. Não quero esconder isto de ninguém, mesmo porque tais informações estiveram sempre acessíveis a qualquer um que quisesse ter acesso a momentos de minha vida que não tenha acompanhado de perto.

Não me considero uma pessoa misteriosa, apenas reservada. Apesar disto, tenho alguns segredos e pensamentos que prefiro guardar pra mim, e quando sinto a necessidade de expô-los eu faço isto num diário secreto onde escrevo vez ou outra algo que eu não tenho coragem de dizer pra mais ninguém. Às vezes fico brincando com a idéia de que um dia alguém vai descobrir esse diário e publicá-lo após minha morte. Imagino que até lá eu serei um escritor ou um autor de quadrinhos famoso, e o conteúdo do diário despertará muita curiosidade da parte de meus conhecidos, que terão acesso a revelações jamais imaginadas a respeito de minha pessoa. Mas a verdade é que o que escrevo nele é tão digno de constrangimento que eu espero que jamais venha a tornar-se público.

Até pensei em encerrar o post com um "aqui me desanexo" em nome dos velhos tempos, mas isto aqui já está saturado o suficiente de nostalgia. Digo, então, um "até logo, e obrigado pelos peixes!"

[CRÍTICAS] Possuídos :: O Padrasto :: O Segredo do Lago

2011-05-21T11:25:00.000-03:00

Possuídos (Bug, EUA e Alemanha)

Diretor: William Friedkin

Roteiro: Tracy Letts

Elenco: Ashley Judd (Agnes White), Michael Shannon (Peter Evans), Harry Connick Jr. (Jerry Goss), Lynn Collins (R.C.) , Brian F. O'Byrne (Dr. Sweet)

Ano de lançamento: 2006

Duração: 102 min.

Sinopse: Após escapar de Goss, seu ex-marido abusivo, recentemente solto da prisão, Agnes, uma solitária garçonete com um passado trágico, muda-se para um motel barato de beira de estrada. Um dia R.C., sua colega de trabalho lésbica, apresenta-lhe Peter, um sujeito peculiar e um tanto paranóico, com quem Agnes começa a ter um romance. Porém, as coisas não são como parecem, e Agnes está prestes a experimentar um pesadelo claustrofóbico quando insetos começam a surgir...

Crítica:

Possuídos é daquele tipo de suspense que sustenta-se mais pelas sensações que desperta, do que pelas grandes revelações que reserva ao espectador.

É interessante acompanhar a progressão da história, a começar pela forma gradativa com que é construída. Desde o plano aéreo inicial, em que a câmera se aproxima lentamente do motel em que Agnes vive, rodeado por um deserto que mais tarde mostra-se um reflexo do quadro emocional da personagem; até a longa seqüência de abertura, na qual é perturbada diversas vezes por telefonemas em que a pessoa do outro lado da linha não diz nada. William Friedkin, em poucos minutos, estabelece a atmosfera e apresenta o cenário onde grande parte da história se desenrolará.

Confesso que este é o primeiro filme que assisto com Ashley Judd, mas já fiquei impressionado com o seu talento. Sua interpretação é convincente e cheia de nuances. O desleixo de Agnes nas primeiras cenas gera certa antipatia, mas graças à competência da atriz, e ao ótimo roteiro, logo entendemos os motivos que a levaram a adotar aquela postura, e não demora para que nos simpatizemos com ela, e enxerguemos a beleza que se esconde por trás daquela amargura e baixa auto-estima que vemos no início (claro que ajuda o fato da atriz ser bonita, mesmo com as gordurinhas a mais que a personagem exigia, além de ter um sorriso lindo). Toda insegurança e carência afetiva de Agnes, que não hesita em satisfazê-la com pessoas que lhe dão um pouco mais de atenção, como sua amiga R.C. (Lynn Collins), são bem retratadas por Ashley Judd, assim como a instabilidade de seu humor, que ao primeiro sinal de que está sendo magoada não hesita em deixar sua raiva explodir na cara de quem a fez sofrer.

Mas Possuídos não seria um filme tão magnético sem a outra metade de sua força motriz: Michael Shannon. Seu personagem entra timidamente na história, mas aos poucos toma conta dela e a domina com a mesma eficácia com que estabelecesse um vínculo afetivo-paranóico-obsessivo com Agnes. Shannon é hipnótico em cena, com seus maneirismos, seu olhar perturbador e suas neuroses, tornando Peter imprevisível. É especialmente graças a ele que o filme é tão eficiente na construção de seu suspense.

Paranóia é o que comanda todo o longa e o define. O importante não é entender a origem do que acomete o casal, mas tornar seu público tão obcecado pela verdade quanto Agnes e Peter, a ponto de arrastá-lo pela mesma viagem alucinante a que são submetidos, regada a conspirações governamentais e insetos que só eles enxergam, e cuja presença só eles sentem.

William Fredkin pega o espectador pela mão e o leva até o final sem tropeços, tornando-o a cada passo mais envolvido pela situação kafkaniana de seus protagonistas, e o mantém prisioneiro do quarto de motel de onde Peter e Agnes poucas vezes saem. O desejo do diretor de tornar seu público íntimo de seus personagens evidencia-se especialmente na cena de sexo do casal, em que lampejos da nudez dos atores criam um erotismo minimalista muito eficiente nas sensações que desperta. E aqui cabe elogiar a excelente montagem, que dá ao longa um ritmo compassado e quase hipnótico, que aumenta o interesse do espectador pelo desenrolar dos fatos.

Preservando a natureza incômoda dos eventos, e a incerteza quanto à origem deles, o roteiro é hábil ao oferecer algumas possíveis explicações através da lógica distorcida de seus protagonistas, sem confirmá-las totalmente. Ao encerrar a narrativa sem abrir mão de contar a história apenas do ponto de vista do casal, William Friedkin respeita a lógica interna do longa, concluindo-o no exato momento em que Agnes e Peter chegam a uma resolução para seus conflitos. Para o casal, qualquer explicação que não partisse deles seria insatisfatória e não confiável, tamanho o estado de paranóia em que se encontram no ato final (o visual "alienígena" que o quarto do motel adquire é um indicativo de quão distanciados da realidade exterior eles estão). Uma conclusão corajosa para um suspense imprevisível.

Nota: 4 de 5

O Padrasto (The Stepfather, Reino Unido e EUA)

Diretor: Joseph Ruben

Roteiro: Carolyn Lefcourt, Brian Garfield e Donald E. Westlake

Elenco: Terry O'Quinn (Jerry Blake), Jill Schoelen (Stephanie), Shelley Heck (Susan), Charles Lanyer (Dr. Bondurant), Stephen Shellen (Jim Ogilvie)

Ano de lançamento: 1987

Duração: 89 min.

Sinopse: Um homem obcecado por valores familiares chamado Jerry Blake casa-se com mães viúvas e divorciadas. Sempre que sua nova família desvia-se dos padrões que ele julga os mais corretos, Jerry mata mãe e filhos, altera sua aparência, assume uma nova identidade, e muda-se para uma nova cidade, onde recomeça seu ritual. Agora é a vez de Susan, e sua filha adolescente Stephanie, mas a garota logo mostra que não será um alvo fácil.

Crítica:

Com uma boa premissa, e um personagem cuja verdadeira natureza é exposta logo na seqüência de abertura, O Padrasto começa promissor, mas infelizmente mostrasse irregular na execução.

Terry O'Quinn é bem sucedido na composição de Jerry Blake, que de início choca, para logo adiante despertar curiosidade ao surgir como um marido carinhoso e um padrasto atencioso. Seus monólogos no porão da casa são bem trabalhados, oferecendo pistas sobre a origem de sua psicopatia, sem entrar em detalhes.

A história ainda conta com outra personagem interessante, a adolescente Stephanie, vivida por Jill Schoelen, que foge dos padrões da época, brigando com socos e pontapés com uma colega de escola que a ofende (no lugar dos clássicos puxões de cabelo); tomando a iniciativa e flertando sem inibições com um garoto; e conduzindo sua própria investigação para descobrir o segredo de Jerry.

Mas, exceto por Charles Lanyer, que torna seu Dr. Bondurant um personagem simpático, o restante do elenco é regular. Susan (Shelley Heck) é insossa e insuportavelmente submissa, e Jim (Stephen Shellen) tem a subtrama mais inútil e tediosa do longa.

O roteiro ousa ao incluir insinuações de que o Dr. Bondurant tem interesses mais platônicos do que profissionais por Stephanie, além de duas cenas rápidas em que a garota aparece nua durante o banho (apesar de Jill Schoelen ter 24 anos na época, vale lembrar que sua personagem tem 16 anos no filme). Na mesma seqüência Joseph Ruben faz uma "meia-homenagem" ao clássico Psicose, levando o espectador a acreditar que verá uma nova reprodução da cena icônica do filme de Hitchcock, apenas para ir contra as expectativas criadas, um detalhe que particularmente me agradou por fugir do óbvio. Infelizmente o filme surpreende apenas nesta cena, pois em nenhum outro momento a história consegue manter o espectador incerto sobre o que virá a seguir.

Previsível e formulaico do início ao fim, O Padrasto vale mais pela curiosidade de assistir Terry O'Quinn, o John Locke da série Lost, interpretando um personagem bem diferente daquele que viveu em seu trabalho mais conhecido.

Nota: 3 de 5

O Silêncio do Lago (Vanishing, Holanda e França)

Diretor: George Sluizer

Roteiro: Tim Krabbé e George Sluizer

Elenco: Bernard-Pierre Donnadieu (Raymond Lemorne), Gene Bervoets (Rex Hofman), Johanna ter Steege (Saskia Wagter), Gwen Heckhaus (Lieneke)

Ano de lançamento: 1988

Duração: 107 min.

Sinopse: Rex e Saskia, um jovem casal apaixonado, sai de férias. Numa parada em um posto de gasolina Saskia desaparece. Rex passa os próximos três anos tentando encontrá-la, até o dia em que começa a receber cartões postais de alguém que promete revelar o que aconteceu com Saskia.

Crítica:

O que mais chama a atenção em O Silêncio do Lago é sua estrutura narrativa. A história vai e volta no tempo sem rodeios, algumas vezes surpreendendo o espectador ao revelar que determinada cena se passa antes da que acabamos de assistir. Aí reside grande parte da inventividade do longa.

Rex e Saskia surgem como um casal comum, que em questão de minutos se diverte num jogo de adivinhações enquanto viajam, para logo em seguida mergulhar num clima desconfortável quando a gasolina do carro acaba dentro de um túnel escuro, e o rapaz deixa a moça sozinha enquanto parte atrás de combustível. É uma cena importante pela maneira como tal fato afetará Rex mais adiante na história, e por introduzir um elemento simbólico que voltará em diversos momentos do filme: o sonho enigmático de Saskia. Mais sobre ele logo abaixo.

Após fazerem as pazes num posto de gasolina, é a vez de Saskia deixar Rex sozinho para comprar alguns suprimentos para o resto da viagem. Quando o rapaz acha que ela está demorando demais, é inevitável que pensemos que trata-se de uma vingança da garota pelo que seu namorado fez com ela mais cedo. Porém, quando Rex começa a reunir informações sobre os últimos passos de Saskia, os fatos apontam para algo mais aterrador. E esta é apenas a introdução da história.

A grande sacada do roteiro é levar o espectador a acreditar que a trama será totalmente focada nos esforços de Rex para encontrar Saskia, apenas para mudar seu foco para a história de Raymond Lemorne (Bernard-Pierre Donnadieu), o sujeito que a seqüestrou. A partir daí o filme reconstrói toda a cadeia de acontecimentos que o levaram a cometer o crime, e passa a revelar as motivações do personagem, que se torna o grande protagonista do longa.

Raymond guarda semelhanças com o personagem principal do romance Crime e Castigo, de Dostoiévski, encarando o crime como um meio de pôr em prova sua filosofia de vida, mas, ao contrário de Raskólnikov, não permite que a culpa o atormente a ponto de voltar seu plano contra si mesmo, além de ter uma vida social saudável, e uma família que o respeita por ser um pai e um marido exemplar. Bernard-Pierre Donnadieu trabalha com precisão ambos os lados de Raymond, cujo plano é exaustivamente ensaiado, e revelado em detalhes, enquanto procura manter as aparências ao lado da esposa e filhas. É graças ao ator que o filme funciona como um intrigante estudo de personagem, ao mesmo tempo que oferece um suspense envolvente.

Voltando ao sonho de Saskia, a dupla de ovos dourados flutuando num espaço negro ganha várias rimas visuais em diversos pontos da narrativa, como nas cenas noturnas protagonizadas por Rex, onde o brilho amarelado dos faróis de carros remetem diretamente ao túnel escuro onde Saskia se lembra do sonho no início do filme. Uma forma sutil encontrada pelo diretor para ilustrar a culpa que ainda atormenta Rex, além de servir como pistas sobre o destino da garota e a conclusão da história.

Por detalhes como o descrito acima, e a forma como o roteiro trabalha a interação de Rex com Raymond, sem apelar para lugares comuns, aumentando exponencialmente o interesse e a curiosidade do espectador pelo desenrolar dos fatos, O Segredo do Lago é uma aula sobre como fazer um suspense de qualidade sem histrionismo e reviravoltas absurdas.

Nota: 4,5 de 5

[CRÍTICAS] Trilogia Samurai

2011-05-20T19:55:00.000-03:00

Samurai - O Guerreiro Dominante (Miyamoto Musashi, Japão)

Diretor: Hiroshi Inagaki

Roteiro: Hideji Hôjô, Hiroshi Inagaki e Takuhei Wakao

Elenco: Toshirô Mifune (Miyamoto Musashi / Takezo), Rentarô Mikuni (Matahachi Honiden), Kuroemon Onoe (Monge Takuan), Kaoru Yashigusa (Otsu), Mariko Okada (Akemi), Mitsuko Mito (Oko, mãe de Akemi),Eiko Miyoshi (Osugi, mãe de Matahachi), Akihiko Hirata (Seijuro Yoshioka), Kusuo Abe (Temma Tsujikaze), Eitarô Ozawa (Terumasa Ikeda), Akira Tani (Kawarano-Gonroku)

Ano de lançamento: 1954

Duração: 93 min.

Sinopse: Ao lado do amigo Matahachi, o jovem órfão Takezo deixa seu vilarejo para se juntar ao exército e enfrentar uma batalha. Vendo-se perdedores, os dois procuram abrigo numa casa isolada onde vive a viúva Oko e sua filha Akemi. Oko acaba seduzindo Matahachi, que cai na tentação da mulher e se esquece de seu noivado com Otsu. Logo Oko, Matahachi e Akemi partem para viver em outro local, enquanto Takezo resolve voltar ao seu vilarejo. Lá ele narra os acontecimentos à família de Matahachi, que além de não aceitar os fatos ainda condena o jovem Takezo por traição. Ele será salvo da morte por um monge que irá ensinar ao rapaz o código dos samurais. O destino acaba colocando Otsu e Takezo no mesmo caminho. Apaixonada, ela promete a ele que irá esperar seu retorno como um cavaleiro errante.

Crítica:

Primeiro filme da trilogia dirigida por Hiroshi Inagaki, que adapta o livro "Musashi", de Eiji Yoshikawa, consegue ser bem fiel à obra original, apresentando várias cenas diretamente retiradas de suas páginas.

Para aqueles que leram o livro, o que de cara chama a atenção é a idade dos atores escolhidos para interpretar Takezo e Matahachi. No livro ambos começam a história com 17 anos, enquanto no filme a dupla é vivida por Toshirô Mifune e Rentarô Mikuni, respectivamente, ambos na casa dos 30. Felizmente eles conseguem conferir jovialidade aos personagens, especialmente Mifune.

O filme foi feito para agradar tanto o público masculino como o feminino, o que fica bem claro pelo quanto a história investe no interesse romântico de Otsu (Kaoru Yashigusa) por Takezo, algo que vez ou outra pesa um pouco no ritmo da história e em seu tom, que torna-se excessivamente melodramático em vários momentos, algo típico de filmes românticos da década de 1950.

Por esta primeira parte focar-se mais na fase arredia e arisca de Takezo, antes de tornar-se efetivamente Miyamoto Musashi, as batalhas de que ele participa parecem todas improvisadas e um tanto desajeitadas, o que acaba combinando com a natureza selvagem do personagem, muito bem representada por Toshirô Mifune.

O roteiro e a direção pecam em dois momentos como adaptação: na cena de abertura, e na passagem responsável por mostrar a mudança moral e psicológica de Takezo.

A cena de abertura do livro, na qual Takezo desperta após a batalha de Sekigahara em meio aos cadáveres do exército derrotado, é uma das seqüências iniciais mais poderosas já concebidas para um livro, e irresistível demais para não ser usada numa adaptação cinematográfica. Ela é forte o bastante para atrair a atenção do espectador logo em seus primeiros minutos. Infelizmente o roteiro co-escrito pelo diretor Hiroshi Inagaki opta por começar a história antes da batalha, mostrando o período em que Takezo e Matahachi viviam juntos na vila Miyamoto, algo que poderia perfeitamente surgir em flashbacks mais adiante na história.

Já o segundo erro da adaptação se encontra no ato final da história, logo após Takezo ser aprisionado no Castelo Himeji. No livro ele passa 3 anos trancado naquela sala cheia de livros estudando-os com afinco, o que acaba modificando sua maneira de enxergar o mundo e seu comportamento, além de aperfeiçoá-lo moralmente, e eliminar grande parte de sua selvageria e impulsividade, tornando-o mais humilde e civilizado. No filme tudo isto é resumido num breve letreiro que mal explica a transformação pela qual passou, e corta logo para uma cena que se passa anos depois, onde ele já assumiu uma nova postura e ganhou o nome pelo qual ficou mais conhecido. Isto poderia ser facilmente resolvido com um clip de alguns minutos, pois trata-se de um ponto importante demais para o desenvolvimento do personagem para ser coberto com um mero texto explicativo.

Apesar das falhas, o filme é feliz ao encenar passagens memoráveis da obra de Yoshikawa, como a captura de Takezo pelo Monge Takuan, e os ensinamentos que este lhe transmite enquanto fica preso na árvore da Vila Miyamoto, ambas muitos fiéis à história original. Além disto o Matahachi de Rentarô Mikuni é tão (ou mais) covarde que o visto no livro. Só senti falta de uma participação maior de Osugi (Eiko Miyoshi) na história, o que traria um pouco mais de humor ao filme, com sua rabugice e determinação cômica características.

Em suma, é uma boa adaptação, mas que poderia ficar melhor através de pequenas mudanças na montagem, e o acréscimo de algumas cenas essenciais para que a filme ganhasse mais solidez.

Nota: 4 de 5

Samurai II - Duelo no Templo Ichijoji (Zoku Miyamoto Musashi: Ichijôji no kettô, Japão)

Diretor: Hiroshi Inagaki

Roteiro: Hideji Hôjô, Hiroshi Inagaki e Takuhei Wakao

Elenco: Toshirô Mifune (Miyamoto Musashi / Takezo), Koji Tsuruta (Sasaki Kojiro), Kaoru Yashigusa (Otsu), Mariko Okada (Akemi), Michiyo Kogure (Yoshino Dayu), Mitsuko Mito (Oko, mãe de Akemi), Akihiko Hirata (Seijuro Yoshioka), Kuroemon Onoe (Monge Takuan), Sachio Sakai (Matahachi Honiden), Yû Fujiki(Denshichiro Yoshioka), Eiko Miyoshi (Osugi, mãe de Matahachi), Daisuke Katô (Gion Toji)

Ano de lançamento: 1955

Duração: 104 min.

Sinopse: Anos depois de começar sua jornada para tornar-se um grande espadachim, Musashi volta a Kyoto para desafiar o líder da maior escola de esgrima da região. Para provar seu valor e suas habilidades, ele cai de propósito numa emboscada armada pelos seguidores da Escola Yashioka. Enquanto isto, seus feitos são observados atentamente por Sasaki Kojiro, um lutador brilhante e habilidoso, que acredita-se capaz de derrotar Musashi.

Crítica:

Neste filme os problemas encontrados na primeira parte da trilogia se potencializam. Novamente o grande destaque que a história dá para o amor de Otsu por Musashi, e para as investidas de Akemi (Mariko Okada) para conquistá-lo, acabam por prejudicar seu ritmo, e tornar a trama monótona e quase insuportável de acompanhar.

Além disto, o longa tem início com uma batalha entre Musashi e Baiken (Eijirô Tôno) totalmente descontextualizada, que além de mal conduzida, serve para introduzir Jotaro (Kenjin Iida), um personagem importante no livro, que no filme é mal aproveitado. O garoto jamais alcança alguma relevância dentro da trama principal, sendo relegado ao papel de figurante de luxo, o que é realmente uma pena, pois no livro ele é responsável por algumas das passagens mais divertidas, além de ser um dos personagens mais carismáticos da saga de Musashi. Jotaro contribuiria muito para eliminar parte da sisudez e melodrama que impediram a trilogia de entreter um pouco mais o espectador.

Hiroshi Inagaki novamente usa letreiros explicativos como muleta narrativa para cobrir pontos da história que não foram abordados diretamente no filme, chegando ao ponto de usá-los para justificar algumas atitudes tomadas por Musashi, jogando-os na tela como máximas escritas pelo personagem em algum diário, um recurso que poderia funcionar se bem empregado, mas que da forma como foi usado soa apenas como um meio preguiçoso de desenvolvê-lo.

Por fim, o tal duelo citado no subtítulo jamais alcança a maestria e o tom épico daquele descrito na obra de Yoshikawa, além de privar-se de retratar os momentos mais impactantes da batalha (no original ele chega a decaptar um garoto logo no início do embate). Seu desempenho excepcional contra toda a Escola Yoshioka é o que tornou Musashi famoso em todo o Japão, por isto a batalha final merecia um cuidado maior em sua execução, pois é a partir dela que o personagem começa a transformar-se numa figura lendária.

Mediano em sua execução, o que acaba salvando o filme é novamente a interpretação vigorosa e correta de Toshirô Mifune, que consegue passar incólume apesar dos muitos tropeços do roteiro.

Nota: 3 de 5

Samurai III - Duelo na Ilha Ganryu (Miyamoto Musashi kanketsuhen: kettô Ganryûjima, Japão)

Diretor: Hiroshi Inagaki

Roteiro: Hideji Hôjô, Hiroshi Inagaki e Takuhei Wakao

Elenco: Toshirô Mifune (Miyamoto Musashi / Takezo), Koji Tsuruta (Sasaki Kojiro), Kaoru Yashigusa (Otsu), Michiko Saga (Omitsu), Mariko Okada (Akemi), Takashi Shimura (Nagaoka Sado), Minoru Chiaki (Sasuke, o barqueiro), Takamura Sasaki (pai de Omitsu), Daisuke Katô (Gion Toji), Haruo Tanaka (Kumagoro, o ladrão de cavalos), Kichijirô Ueda (Monge Ogon), Kokuten Kôdô (Velho Monge Nikkan), Ikio Sawamura (estalajadeiro)

Ano de lançamento: 1956

Duração: 105 min.

Sinopse: Musashi decide abandonar sua vida como guerreiro errante, e passa a viver nos arredores de uma vila cultivando vegetais. Não demora até que Otsu e Akemi o encontrem, e passem a disputar seu amor. Paralelamente Musashi é desafiado por Sasaki Kojiro, com quem promete duelar dentro de um ano. Nesse meio tempo, enquanto se prepara para o duelo, o samurai é forçado a enfrentar um grupo de bandidos que ataca a vila que o acolheu, e conforme o dia de seu maior desafio se aproxima, vê-se obrigado a tomar uma resolução que concilie ou não seu amor por Otsu e sua paixão pelo caminho do guerreiro.

Crítica:

Indo contra as expectativas geradas pelo capítulo anterior, a última parte da trilogia sobre a jornada de Miyamoto Musashi consegue sair-se melhor que seu antecessor, embora tenha sua parcela de falhas, o que o impede de superar a primeira parte.

Este é o filme que tomou mais liberdades criativas com relação à história original. Jotaro ganha um pouco mais de destaque na trama, apesar de acabar assumindo o papel que era de outro discípulo de Musashi na obra de Yoshikawa. Ainda assim, o personagem jamais adquire o brilho e o carisma que possui no livro.

A disputa de Otsu e Akemi pelo amor de Musashi toma um rumo completamente oposto ao visto na obra original, sendo seu ápice a tentativa de Akemi assassinar Otsu, pouco antes da vila onde vivem ser ataca por bandidos, os quais contavam com o seu apoio para realizar o ataque. Além de excessivamente melodramática, a disputa entre as personagens torna-se tragicômica, a ponto de prejudicar o impacto que o diretor visava alcançar com a decisão de mudar o destino final de uma delas.

Por outro lado, Inagaki acerta a mão ao adaptar cenas memoráveis do livro, como o divertido confronto entre Musashi e Kumagoro (Haruo Tanaka) na hospedaria; e sua luta final com Sasaki Kojiro (Koji Tsuruta), que é tão bela como a descrita por Yoshikawa, graças ao cuidado com que toda a seqüência foi filmada à beira-mar conforme o sol se erguia no horizonte. Nesta única passagem o filme consegue captar a essência da obra original, algo que grande parte da trilogia foi incapaz de fazer.

Toshirô Mifune fez o que pôde para retratar a força de caráter, a humildade e a habilidade de uma das mais conhecidas figuras históricas do Japão, e saiu-se admiravelmente bem. Uma pena que os roteiros de toda a trilogia sofram de um desequilíbrio narrativo que o "Musashi" de Eiji Yoshikawa não possui. Fosse ela uma adaptação mais fiel à capacidade do escritor em dosar humor, romance, drama, ação e filosofia, certamente seria uma trilogia tão memorável e relevante para a produção cinematográfica japonesa, como O Senhor dos Anéis foi para a Nova Zelândia e os EUA. Infelizmente ela não chega aos pés do virtuosismo de Peter Jackson e da obra-prima de Eiji Yoshikawa.

Nota: 3,5 de 5

[REVIEW] The Sopranos - A Série Completa

2011-05-16T11:38:00.024-03:00

Ser um mafioso em Nova Jersey não é tarefa das mais fáceis, e Tony Soprano sabe muito bem disto. Pior, além de ser um criminoso, Tony sofre constantes ataques de pânico; convive com uma mãe que não lhe demonstra o menor afeto, e não hesita em desprezá-lo; e tem um tio que inveja o poder e o prestígio conquistados pelo sobrinho dentro da máfia local. Como se tudo isto não fosse ruim o bastante, o chefe de Tony enfrenta um câncer terminal, e ele é o principal candidato para assumir a liderança da organização criminosa.

Com tantos problemas, Tony se vê forçado a tomar uma atitude drástica antes que sofra um colapso nervoso: passa a fazer terapia com uma psiquiatra, sem o conhecimento da família e de seus parceiros de crime, o que acaba se tornando mais uma na lista de preocupações de nosso protagonista.

Esta é a premissa básica de The Sopranos (Família Soprano, no Brasil), uma das séries mais premiadas e aclamadas da história da TV americana, considerada por alguns como a melhor série dramática já produzida. E após assistir todas as suas 6 temporadas, fica difícil discordar dos que pensam assim.

Confiram abaixo minhas críticas sobre cada temporada. Obviamente elas contém SPOILERS, portanto é recomendável que já tenham assistido toda a série antes de lê-las.

1ª temporada

A primeira temporada trata da ascenção de Tony à posição de chefe da família de mafiosos de Nova Jersey, suas dificuldades de relacionamento com sua mãe idosa, e sua disputa de poder com seu tio Corrado "Junior" Soprano. Em seus 13 episódios ela apresenta uma notável composição e desenvolvimento de personagens, partindo desde o elenco principal aos coadjuvantes.

John Gandolfini é um excelente ator, e mostra-se à vontade interpretando Tony Soprano, um personagem complexo, que de um lado é terno e carinhoso com sua esposa e seus filhos, e até mesmo com alguns de seus companheiros de máfia, especialmente seu sobrinho/primo Christopher; ao mesmo tempo que é capaz de agir com frieza, impulsividade e violência, quando é forçado a eliminar alguém que ameaça seus negócios e a segurança de sua família.

A Carmela Soprano de Edie Falco ganha autenticidade conforme a temporada se desenvolve, e a atriz começa a demonstrar um talento que se evidenciará cada vez mais conforme a série avança.

Nancy Marchand, como Livia Soprano, é dona de uma presença poderosa em tela, e concebe aquela que é a maior antagonista de Tony na temporada de estréia, escondendo em sua rabugice e dissimulação um desejo de vingança que é executada com requintes de crueldade ao longo dos 13 episódios iniciais.

Já Dominic Chianese dá o tom cômico e ameaçador necessário para tornar Corrado Soprano um dos personagens mais marcantes e divertidos de toda a série. Seus diálogos com Livia estão entre os melhores da temporada, cheios de sutilezas que escondem as reais intenções de ambos para com Tony. A dupla é responsável por algumas das maiores enrascadas que Tony enfrenta no decorrer da temporada.

Michael Imperioli começa interpretando Christopher Moltisanti como um sujeito cuja arrogância inicialmente torna-o um personagem antipático, mas que no decorrer da temporada consegue conquistar a simpatia do público graças ao talento do ator, e ao bom trabalho feito pelos roteiristas, que acertam o passo e o tema central de seu arco dramático.

Surpreende também o talento do elenco de apoio. Tony Sirico e Steve Van Zandt, em seus primeiros minutos de tela, são talentosos o bastante para tornar seus personagens inconfundíveis desde o início. A simpatia que Paulie e Silvio despertam no espectador, ainda sem contar com o apoio de um background, apenas comprovam a qualidade de suas interpretações. O mesmo valendo para Artie Bucco (John Ventimiglia), Adriana la Cerva (Drea de Matteo) e Pussy Bonpensiero (Vincent Pastore), que nas temporadas seguintes ganham maior destaque.

Demonstrando inteligência ao antecipar as comparações que fariam entre a série e a trilogia O Poderoso Chefão, David Chase e sua equipe de roteiristas espalharam por toda a primeira temporada citações e homenagens a ela, ao mesmo tempo em que jamais confere à história de Tony e os demais o mesmo glamour encontrado no clássico de Francis Ford Coppola. A série ainda abre espaço para referir-se a outros grandes clássicos do gênero, especialmente Os Bons Companheiros, do qual tomou emprestado vários atores (Lorraine Bracco, Michael Imperioli, Tony Sirico, Vincent Pastore, entre outros).

Além disto, os roteiristas também conseguiram se livrar com eficácia da impressão de que a série não seria nada mais do que uma abordagem mais séria da premissa usada no filme Máfia no Divã. As terapias de Tony com a Dra. Melfi (Lorraine Bracco) ganham um papel fundamental na história, e um maior embasamento, além de funcionar como um ótimo recurso para oferecer ao espectador acesso a elementos e fatos essenciais do passado do personagem, que conferem ao mesmo a tridimensionalidade e complexidade necessárias para nos envolvermos com sua história, e uma base sobre a qual futuros conflitos serão construídos, e novos insights sobre Tony que surgirão nas temporadas seguintes. Neste ponto Lorraine Bracco, apesar de uma interpretação mais contida que o restante do elenco, usa a abordagem ideal para conduzir sua personagem, que diverte em vários momentos em que dirige a Tony apenas um olhar analítico e quase inexpressivo, que contrasta com os relatos mais enérgicos e gesticulados do mafioso.

Oferecendo uma história que em nenhum momento perde o ritmo, trazendo várias reviravoltas, e explosões de violência que pegam o espectador de surpresa, além de um uso equilibrado do grande elenco de personagens, a 1ª temporada de The Sopranos mostra-se vigorosa do início ao fim, jamais tornando-se desinteressante. Seus personagens, apesar de moralmente reprováveis, em sua maioria são carismáticos e interessantes o bastante para nos importarmos com suas histórias. Em suma, trata-se de uma verdadeira aula sobre como fazer uma temporada de estréia excepcional para uma série, sem oscilar na qualidade dos roteiros e da direção. É raro encontrar uma série que consiga manter uma qualidade tão elevada ao longo de 13 episódios sem recorrer a tramas que prejudicam o desenvolvimento da história, e The Sopranos faz isto com louvor.

Nota: 5 de 5

2ª temporada

Nesta o novo status de Tony é muito bem explorado com o mesmo brilhantismo que marcou a temporada de estréia, em episódios que se concentram tanto em suas estratégias para preservar o poder conquistado, como também na maneira com que tamanha pressão influi diretamente na saúde física e mental do protagonista.

A série mostra-se sem medo de ousar. Nesta temporada há dois excelentes episódios centrados em Christopher ("Big Girls Don't Cry" e "From Where to Eternity", o primeiro roteirizado por Michael Imperioli), que definitivamente firma-se aqui como um dos coadjuvantes mais interessantes da série; outro quase inteiramente dedicado a David Scatino (Robert Patrick, excelente!), que ganhou grande destaque logo em seu episódio de estréia; e ainda se deram ao luxo de desenvolver mais a história dos dois capangas de Christopher, Matt e Sean, em "Full Leather Jacket", um dos episódios-chave desta temporada. Isto sem mencionar "Funhouse", que fez uso de um formato inusitado, mudando o foco da história, gerando estranheza de início, apenas para finalizar uma das subtramas mais importantes da série até então.

Não podemos esquecer também da adição de Janice Soprano (Aida Torturro) e Richie Aprile (David Proval), que tornaram a vida de Tony ainda mais difícil, com maior destaque para o último, que foi seu grande rival nesta temporada. A atuação visceral de Proval fez toda a diferença, tornando o personagem totalmente imprevisível em sua impulsividade, e desta forma aumentando o suspense e a tensão em todas as suas aparições.

Livia e Tio Junior infelizmente não estiveram tão presentes nesta temporada como na anterior, mas continuaram divertidos e brilhantes em suas poucas aparições.

Também fez falta um papel mais atuante das terapias de Tony com a Dra. Melfi na trama principal. Em compensação, tivemos a chance de saber um pouco mais sobre como suas sessões com o mafioso afetam a vida pessoal e profissional da doutora. Suas terapias com o Dr. Elliot (Peter Bogdanovich, engraçado em seu cinismo sutil) renderam momentos impagáveis.

Uma excelente temporada, que por muito pouco não supera a primeira.

3ª temporada

Uma temporada cheia de episódios memoráveis.

As atuações continuam naquele nível que certamente despertou inveja em muitos produtores de séries durante as temporadas anteriores. Infelizmente nesta não temos mais a presença de Nancy Marchand (a eterna Livia Soprano), já que a atriz faleceu entre uma temporada e outra. Em compensação, a série continuou com ótimos roteiros e novas adições poderosas ao elenco.

Joe Pantoliano como Ralph Cifaretto foi o grande antagonista de Tony, e roubou a cena diversas vezes, além de nos chocar num dos episódios mais "amargos" da série, mas nem por isto menos excepcional (sim, estou falando de "University").

O namoro de Meadow (Jamie-Lynn Sigler) com Jackie Jr. (Jason Cerbone) foi uma subtrama que cresceu muito ao longo da temporada, e tornou-se uma de suas grandes forças motrizes, chegando a uma conclusão que repercute na temporada seguinte.

"Employee of the Month", um dos episódios mais chocantes da série, mostrou o quanto a equipe de roteiristas e produtores continuam corajosos na escolha dos temas abordados (neste caso o estupro), e sua cena final é uma daquelas que ecoam por muito tempo na mente do espectador.

E, claro, tivemos "Pine Barrens", o primeiro dos quatro episódios que Steve Buscemi dirigiu para a série, apresentando uma história divertida, recheada de humor negro, e momentos memoráveis. A dinâmica entre Christopher e Paulie jamais foi tão bem explorada como neste episódio, que é considero por muitos um dos melhores de toda a série

Foi uma grande temporada, cheia de problemas para Tony, conflitos inesquecíveis, tramas e subtramas bem exploradas, sempre conduzindo muito bem a narrativa, e instigando o espectador a assistir o episódio seguinte, e o próximo, e o próximo...

Nota: 4,5 de 5

4ª temporada

Só nesta temporada tivemos Adriana se metendo numa enrascada com o FBI; Chris perdendo o controle de seu vício em heroína; Carmela flertando com Furio (Federico Castelluccio), nos fazendo temer por ambos; e Ralph fazendo uma piada sobre a esposa de Johnny Sack (Vincent Curatola) que acaba tomando proporções imprevistas. Claro que houve mais, porém é melhor pararmos por aqui pra não estragar surpresas.

A 4ª temporada de Sopranos segue com o trabalho exemplar de desenvolvimento de personagens, embora relegue a meras participações especiais alguns que se tornaram queridos nas temporadas anteriores, como a Dra. Melfi e Junior Soprano. Em compensação foi bem vinda a "promoção" de Bobby Bacala, que deixou de ser mero alívio cômico para ganhar um arco dramático que fizesse jus ao talento de Steve Schirripa.

Quanto ao resto do elenco, James Gandolfini continua cumprindo com enorme competência a tarefa de nos apresentar novas camadas de Tony Soprano; Edie Falco segue brilhante, em especial nos episódios finais da temporada; e Joe Pantoliano deixa sua marca, e transforma seu Ralph num dos personagens mais antológicos da série, além de protagonizar uma das seqüências mais poderosas já vistas até aqui (em "Whoever Did This"). Pra ficar na lembrança mesmo.

Novamente fica nítido o impressionante cuidado que os roteiristas da série têm ao definir toda estrutura que sustentará a temporada inteira. Cada sutileza, cada pequeno fato que culminará em outro, o qual se ramificará em outros mais, e assim sucessivamente. O planejamento primoroso, as tramas bem amarradas, garantem uma qualidade praticamente impecável, e ainda soam como novidade, o que de fato são.

Nota: 4,5 de 5

5ª temporada

Um dos destaques desta temporada foi a adição de Steve Buscemi ao elenco, interpretando Tony Blundetto, primo de Tony Soprano, recém-saído da prisão. Demonstrando sua competência habitual, sua participação na temporada é menor do que o esperado (pelo menos pra mim), porém as ações de seu personagem desencadeiam uma série de eventos que tumultuam a segunda metade da temporada, contribuindo tanto para o desenvolvimento da trama, como para torná-lo mais um dos muitos personagens memoráveis da série.

Além da tensão crescente gerada pela disputa entre Johnny Sack e Little Carmine (Ray Abruzzo) pela liderança da máfia de Nova York, esta também foi uma temporada explosiva do ponto de vista emocional. Tony, mais do que nas temporadas anteriores, foi obrigado a lidar com a solidão inerente ao seu papel líder, e as conseqüências de suas decisões sobre as vidas daqueles com quem se relaciona. Neste ponto o episódio "The Test Dream" é o que melhor ilustra o peso da culpa que sente pelas tragédias que causou. Cheio de simbolismos, ele foi um prato cheio para os que apreciam os famosos sonhos que sempre tiveram um papel importante dentro da série.

Em paralelo, vimos de que maneira separar-se de Tony repercutiu na vida de Carmela, em especial no episódio "Sentimental Education", onde ficou bem claro o quanto é difícil para a esposa de um mafioso dar um novo começo à sua vida amorosa, depois de mais de 20 anos de casamento, enquanto nos episódios seguintes foi explorada a dificuldade de consumar o divórcio tão desejado inicialmente. E, apesar de previsível, a conclusão de sua trama foi bem trabalhada, de forma a apontar naturalmente para a resolução que alcançou.

Finalmente, não podemos falar desta 5ª temporada sem mencionar todo arco dramático vivido por Adriana, de longe uma das personagens mais sofredoras da série. Drea de Matteo ganhou a merecida oportunidade de brilhar, ao interpretar tantas cenas carregadas de uma dramaticidade palpável, graças à engenhosidade dos roteiristas, que vieram construindo toda a situação na qual se encontrava desde o final da 3ª temporada. "Irregular Around the Margins", o primeiro episódio desta temporada focado em Adriana, é tão cheio de intensidade e suspense que funciona quase como um irmão gêmeo de "The Weight", da temporada anterior, em que o destino dos personagens se torna mais imprevisível do que nunca. Enquanto "Long Term Parking" é daquela categoria de episódios que ficam gravados na memória em seus mínimos detalhes, tamanho é o impacto de suas cenas.

Nota: 4,5 de 5

6ª temporada

Esta foi a temporada dos coadjuvantes. O episódio de estréia adota uma opção inusitada, focando boa parte da história nas tentativas de Gene Pontecorvo (Robert Funaro) em convencer Tony a permitir que ele abandone sua carreira criminosa para mudar-se com a família para outra cidade, a fim de recomeçar sua vida. Provando mais uma vez a habilidade de retirar ótimas histórias de personagens que pouco destaque tiveram anteriormente na série, Terence Winter faz um excelente trabalho, criando um início de temporada que foge dos padrões estabelecidos (se é que The Sopranos seguiu algum padrão nas temporadas anteriores).

Vito Stapafore (Joseph F. Gannastafori) foi outro coadjuvante que ganhou muito destaque na temporada final. O personagem esteve presente na série desde a 2ª temporada, mas só chamou atenção na 5ª temporada, quando foi sugerido que ele era gay. Nesta sua inclinação sexual é abordada de maneira direta, e ganha muita importância no desenvolvimento da 1ª parte da 6ª temporada, especialmente em sua reta final.

Paulie também foi outro coadjuvante que ganhou mais atenção dos roteiristas, muito merecida, por sinal, pois Tony Sirico tornou-o um dos personagens mais carismáticos e divertidos de toda a série, com seus inconfundíveis “hehe”, sua fala assobiada, e seus maneirismos peculiares. Lidando com uma revelação impactante sobre sua origem, e um câncer de próstata, Tony Sirico ganha a chance de explorar mais a fundo o lado dramático de Paulie, que estabelece-se de vez como uma figura tragicômica no episódio "Remember When", em que seu apego ao passado rende alguns dos momentos mais tocantes do personagem em toda a série.

Christopher desta vez tem que conviver com a culpa por sua participação na morte de Adriana, e encontrar um meio de lidar com os sentimentos conflituosos que vinha nutrindo pelo tio desde que surgiu a suspeita de que Tony teve um caso com sua ex-namorada. Seu empreendimento na indústria do cinema, algo que vinha sendo preparado desde a primeira temporada, não poderia encontrar momento melhor para alcançar sua culminância, funcionando como um meio criativo de expôr toda raiva que escondia do tio. Além disto, seu problema com as drogas volta à tona, acentuando a natureza trágica do personagem, e preparando-o para o encerramento de seu arco dramático.

Mas é óbvio que o grande destaque da temporada foi a trajetória de Tony, que logo no primeiro episódio é baleado por seu tio, e fica entre a vida e a morte nos 3 episódios seguintes.

Os episódios 2, 3 e 4 compõem praticamente uma trilogia, cuja história gira em torno de Tony adquirindo uma nova visão de sua própria vida, algo que terá repercussões em toda a temporada. A forma escolhida pelos roteiristas para representar o estado de coma de Tony é brilhante. Antecipando um recurso narrativo que seria fartamente usado pelos roteiristas de Lost, também em sua última temporada, David Chase e Mattew Weiner inovaram, ao lançar Tony Soprano numa versão alternativa de sua própria vida, em um mundo paralelo lotado de simbolismos, encontrados tanto nas situações em que vive (a perda da identidade, e o fato de ser forçado a assumir um novo papel; a escolha de participar ou não da festa para qual foi convidado), como nos elementos visuais (o recorrente farol que ele enxerga distante no horizonte; o helicóptero que vez ou outra joga um facho de luz sobre ele, confundindo-se, por segundos, com a lanterna do médico que examina sua retina no hospital). Estes três episódios são de uma riqueza poética e filosófica poucas vezes alcançada em toda a série.

Após este primeiro arco dramático, é notável a atitude mais amena que Tony assume com relação a vários problemas que lhe surgem, que vão desde o enfermeiro que roubou dinheiro de sua carteira quando foi socorrê-lo após ser baleado, até a maneira como lida com a revelação de que Vito é gay. Mas, não demora muito pra este “novo” Tony entrar em conflito com as inclinações do “velho”. O antagonismo entre o velho e o novo se intensificam, e culminam em algumas das cenas mais chocantes e violentas protagonizadas pelo personagem, como aquela em que espanca quase até a morte um capanga da família rival "só" porque ele assediou Meadow; e a surpreendente morte de um dos personagens mais antigos da série, que encontra seu fim nas mãos de Tony.

O início da 2ª parte da temporada chama atenção pela forma como, em apenas três episódios, os roteiristas apontaram três personagens antigos e queridos do público como possíveis vítimas de Tony, algo que acaba se mostrando parcialmente verdadeiro para dois deles.

Já no núcleo familiar de Tony tivemos Carmela, que ganhou algumas ótimas cenas dramáticas no início da temporada, à altura do enorme talento de Eddie Falco. Porém, após o período em que Tony ficou entre a vida e a morte no hospital, houve pouco destaque para a personagem, diferente do que ocorreu nas temporadas anteriores.

Meadow também teve participações pequenas nesta temporada, agindo mais como uma conselheira para os pais, que tentavam encontrar a melhor forma de lidar com os problemas de A.J. (Robert Iler). Este, sim, teve um cuidado maior por parte dos roteiristas, que em pouco tempo ganhou uma namorada com filho, foi abandonado por ela, e entrou numa fase depressiva/reflexiva que explorou mais profundamente a psique do personagem. Embora vez ou outra seu arco dramático tenha soado como uma tentativa forçada de desenvolver A.J., que durante 5 temporadas pouco amadureceu, sendo quase sempre um rebelde sem causa mimadinho. A consciência que subitamente ganha de que não é o centro do universo, e do desperdício que vinha sendo sua vida até então, rendeu momentos interessantes e importantes para que o personagem atingisse alguma maturidade. Porém, mais tarde, ele volta praticamente à estaca zero, quando demonstra que ainda não estava pronto para ser um adulto responsável.

Outro tema muito bem trabalhado na 2ª parte da temporada foi o fim de uma geração de mafiosos, e o futuro incerto de seu legado. Phil Leotardo (Frank Vincent), após sofrer um ataque cardíaco, decide abandonar a liderança da família de Nova York, e seguir o conselho que Tony lhe dá no final da 1ª parte: aproveitar a vida ao lado da família enquanto pode. Porém, tudo parece conspirar para que a velha geração continue na ativa, quando seus sucessores são eliminados por um rival, obrigando-o a voltar à ativa.

Fato semelhante ocorre com Tony, que foi forçado a lidar com a deterioração da nova geração, algo que fica claro quando constata que Christopher não se encontra à altura de sucedê-lo após sua aposentadoria. Sua frustração é tanta que o leva a sacrificar o sobrinho/primo.

Um dos melhores episódios a lidar com a questão do envelhecimento da "velha guarda" é Remember When (6x15), em que Tony e Paulie tiram “férias forçadas”, e passam um tempo juntos, hospetados no hotel de Beansie (Paul Herman). Tony tem que conviver com o saudosismo de Paulie, que não pára de evocar episódios de seu passado como gângster, trocando lembranças com Beansie, outro velho criminoso, cuja velhice cobrou seu preço, tendo agora que depender da esposa até para cuidar de suas necessidades básicas. E é irônico que Paulie sobreviva até o final da série, reforçando um argumento que parece permear toda a segunda metade da temporada: "já não se fazem mais mafiosos como antigamente".

Dominic Chianese infelizmente ganha pouco tempo de tela nesta temporada, mas tem participações memoráveis. Sua última cena como Tio Junior é uma dos mais comoventes de toda a série, funcionando como um contraste perfeito para antológica seqüência final.

A reunião no restaurante, que marca o derradeiro final da série, é brilhante ao sintetizá-la. Nela vemos a preocupação de Tony com a segurança da família, seu desejo de tê-la sempre por perto, reunida, sob sua proteção, e de fazer com que os bons momentos valham por todos os ruins. Além disto, a ambigüidade do corte final é uma das decisões mais geniais de David Chase, que joga o espectador num abismo de incerteza semelhante ao do gato de Schrödinger, deixando aqueles personagens presos num estado de indefinição, entre a vida e a morte, criando uma rima perfeita com o início da temporada, e simultaneamente com o início da série.

Nota: 4,5 de 5

The Sopranos fez por merecer cada menção que hoje fazem da série em livros e discussões sobre a história da TV americana e mundial. Suas 6 temporadas, mesmo com pequenas imperfeições, e leves quedas de qualidades, jamais deixaram de apresentar um competente desenvolvimento de personagens, uma condução segura de tramas e subtramas, e um elenco extremamente talentoso. Sua equipe de atores, diretores e roteiristas levaram as séries de TV a um novo patamar. Se não foi com The Sopranos que tudo isto começou, foi nela que a TV americana atingiu seu auge.

Depois de assistir Sopranos ficamos mal acostumados, pois torna-se cada vez mais difícil tolerar qualquer produção mediana, seja ela feita pra TV ou pro cinema.

[CRÍTICAS] Ajuste Final :: Terra de Ninguém :: Bad Guy :: Yojimbo

2011-05-09T09:30:00.031-03:00

Ajuste Final (Millers's Crossing, EUA)

Direção: Joel Coen

Roteiro: Joel Coen e Ethan Coen

Elenco: John Turturro (Bernie Bernbaum), Steve Buscemi (Mink), Marcia Gay Harden (Verna), Jon Polito (Johnny Caspar), J. E. Freeman (Eddie Dane), Albert Finney (Leo)

Ano de lançamento: 1990

Duração: 115 min.

Sinopse: O mafioso Johnny Caspar (Jon Polito) procura o irlandês Leo (Albert Finney), o poderoso chefão da cidade, para contar-lhe sobre alguns problemas que está tendo com Bernie Bernbaum (John Turturro), o irmão de Verna (Marcia Gay Harden), que vem a ser o interesse romântico de Leo e do seu braço-direito Tommy (Gabriel Byrne).

Sem desconfiar que seu homem de confiança sai com a mulher que ele deseja casar, Leo resolve colocar uma pedra no assunto, para desespero de Caspar, que não vê a hora de tomar o lugar de Leo, inclusive seduzindo seu parceiro Tom.

Flertando com o noir, Ajuste Final foi concebido durante um bloqueio criativo, que acabou sendo sinopse do próximo projeto dos Coen, Barton Fink (1991).

Crítica:

O apuro e virtuosismo técnico dos Coen já é velho conhecido de quem acompanha a carreira dos irmãos. Apesar de ser o 3º filme escrito e dirigido por eles, Ajuste Final ainda hoje é um dos melhores de sua carreira.

Os diálogos são inteligentes, espirituosos, e cheios de ótimas tiradas, e só ganham mais força graças ao ótimo elenco.

Gabriel Bynne interpreta Tommy com segurança, mas quem acaba se destacando é Jon Polito. Fazendo um dos conhecidos tipos excêntricos que habitam a filmografia dos Coen, o ator diverte com sua atuação cheia de caras e bocas. John Turturro novamente não decepciona, se saindo especialmente bem numa das cenas mais tensas do filme. Albert Finney, uma presença imponente em cena, ganha uma das melhores seqüências de ação do longa. Enquanto isto Marcia Gay Harden, que poucas vezes esteve tão linda como neste filme, reforça o clima noir da história, interpretando uma clássica femme fatale.

A montagem é excelente, e torna o ritmo da história fluido, jamais cansando o espectador, além de ser responsável por momentos de puro brilhantismo, como o ataque à casa de Leo, que por si só é uma verdadeira aula de narrativa cinematográfica. Dá vontade de voltar a seqüência diversas vezes só para observar o cuidado com que cada cena foi filmada, cada ângulo escolhido, e cada corte feito com precisão. Além disto as transições de cena são sempre elegantes, criando inspiradas rimas visuais.

Por fim, a trilha sonora de Carter Burwell, apesar de girar toda em torno de um só tema, estabelece um contraste interessante com a violência que surge a todo momento no filme, dando um toque de placidez à história.

Mais uma grande realização dos Coen, e um prazer imenso para os apreciadores da 7ª arte.

Nota: 5 de 5

Terra de Ninguém (Badlands, EUA)

Direção: Terrence Malick

Roteiro: Terrence Malick

Elenco: Martin Sheen (Kit), Sissy Spacek (Holly), Warren Oates (Pai), Ramon Bieri (Cato)

Ano de lançamento: 1973

Duração: 94 min.

Sinopse: Fort Dupree, Dakota do Sul, 1959. Kit Carruthers (Martin Sheen) é um jovem peão que mata o pai de Holly Sargis (Sissy Spacek), sua namorada de 15 anos, o qual não aprovava o relacionamento deles.

Kit e Holly fogem juntos para Montana, enquanto Carruthers faz mais vítimas, o que faz a polícia ir em seu encalço.

Crítica:

Apesar da premissa, Terra de Ninguém se mostra um roadmovie romântico e agradável de se assistir. Kit desperta simpatia no espectador, graças ao ótimo trabalho de composição feito por Martin Sheen, e ao hábil roteiro de Terrence Malick. Seu assassino é um rapaz com pinta de James Jean, fala mansa e aquele sotaque acaipirado de Dakota do Sul que sempre soa bem aos ouvidos (eu pelo menos acho). Há uma ótima química entre o seu personagem e o de Sissy Spacek, que confere a Holly o ar de inocência ideal para uma garota que ainda preserva um lado infantil em plena adolescência, sempre trazendo um olhar perplexo e fascinado de quem está começando a conhecer o mundo e os mistérios da natureza humana, e uma doçura nos gestos, e na maneira de falar sobre os sentimentos que nutre por Kit, e suas impressões da aventura que vivem juntos.

Claro que não seria um filme de Malick se não houvesse aquela poesia visual que tanto agrada seus apreciadores, e aqui ele não decepciona, com panorâmicas deslumbrantes, tomadas que privilegiam a beleza natural do cenário, e dividem com o espectador a liberdade e arrebatamento sentidos pelo casal de protagonistas em diversos pontos de sua viagem. Acompanhamos de perto a paz momentânea conquistada por Kit e Holly quando constroem uma casa improvisada no meio de uma floresta, onde, num tema recorrente na filmografia do diretor, vemos os personagens tão rodeados pela flora local, que muitas vezes quase se perdem em meio ao emaranhado de galhos, folhas e mato. A sensação de embevecimento e integração com o ambiente é tamanha que, quando seu território é invadido por caçadores de recompensa, não hesitamos em ficar do lado do casal, que mais se assemelham a animais silvestres acuados em seu habitat natural, se defendendo com os recursos que possuem.

É notável o equilíbrio alcançado por Malick, que confere serenidade a uma trama que tinha tudo para ser tomada por uma atmosfera mais sombria. A favor disto há o fato de boa parte da história se passar durante o dia, privilegiando espaços amplos e descampados, com paisagens e cenários quase sempre banhados pela luz do sol.

Os assassinatos surgem não como recurso para chocar o espectador, mas como uma conseqüência natural da situação em que o casal se encontra, e o alívio que sentimos por eles sempre que se livram de mais um empecilho, mesmo que por intermédio da morte de alguém, novamente confirma o cuidado com que os personagens foram construídos e desenvolvidos, a fim de torná-los agradáveis o suficiente para acompanharmos sua jornada.

Neste, que é seu primeiro longa, Terrence Malick já demonstra sua enorme competência e habilidade como contador de histórias, e sua admirável sensibilidade que o leva a capturar belezas singelas, as quais transformam todos os seus filmes em um repositório de encantamentos que leva o espectador a viajar ao lado de seus personagens.

O cinema de Malick traz sempre uma riqueza sensorial e filosófica que jamais carrega consigo um peso puramente intelectual. Está mais para a leveza que invade o ser num estado de contemplação que o faz sentir-se completo por alguns instantes, mesmo ao lado de personagens moralmente reprováveis, mas suficientemente humanos para assumirem sua pequenez e se comoverem com ela.

Nota: 4,0 de 5

Bad Guy (Nabbeun namja, Coréia do Sul)

Direção: Ki-duk Kim

Roteiro: Ki-duk Kim

Elenco: Jae-hyeon Jo (Han-ki), Won Seo (Sun hwa), Yun-tae Kim (Yun-tae), Duek-mun Choi (Myeong-su), Yoon-young Choi (Hyun-ja), Yoo-jin Shin (Min-jung), Jung-young Kim (Eun-hye)

Ano de lançamento: 2001

Duração: 100 min.

Sinopse: Han-ki é um sujeito com cara de poucos amigos que senta-se ao lado uma jovem e bela colegial chamada Sun hwa, num banco de praça em pleno movimentado centro de Seoul. Dali ele passa a observá-la com interesse, apenas para ser desprezado em troca. Não demora muito até chegar o namorado de Sun hwa, que se joga nos braços dele, se afastando de Han-ki com nojo. Mas ele não deixa barato: agarra Sun hwa a força e a beija na boca diante do namorado. A confusão se instala, Han-ki apanha de guardas que intervém na situação, e Sun hwa, exige que ele peça desculpas. Ele se recusa a dizer uma palavra que seja, ela lhe dá um tapa, e cospe em sua cara. No dia seguinte Han-ki decide arruinar a vida da garota. E este é apenas o começo da história.

Crítica:

Kim Ki-Duk é um diretor que parece sentir prazer em dividir opiniões pela natureza quase hermética de suas histórias, que apresentam uma lógica interna um tanto confusa, onde causa e efeito parecem trocar de lugar, dando nós em torno de si mesmos, e deixando o espectador atordoado no final de boa parte de seus filmes.

Não sou profundo conhecedor da obra do diretor, mas dos quatro filmes que assisti dele torna-se evidente sua fixação por personagens de poucas palavras, ou totalmente mudos; o papel que o silêncio têm em suas histórias; e sua obsessão por transformá-las em ciclos que se fecham, e remetem ao início da narrativa, ou a algum ponto anterior dela, gerando paradoxos onde é impossível precisar a causa primeira de determinado evento.

Em Bad Guy o paradoxo se esconde numa foto que Sun Hwa (Won Seo) encontra rasgada em pedaços na praia onde vai com Han-Ki (Jae-hyeon Jo). A confusão que se instala no espectador quando o mistério da foto é revelado pode ser sanada se levarmos em consideração a natureza da relação passivo-agressiva que se estabelece entre eles. A foto seria uma mera projeção do desejo desesperado da garota em reunir os cacos de sua vida, e dar algum sentido a ela.

O filme inteiro é sobre essa busca por algo desejado, embora por vias não convencionais. Sun Hwa perde sua liberdade e seu orgulho por menosprezar um homem que mal conhecida, o qual não mede esforços para demonstrar seu desejo de possuí-la através de gestos agressivos e compensadores de sua deficiência. Já Han-ki, com o orgulho ferido, arma um cruel plano de vingança para Sun Hwa. Ao mesmo tempo que alcança o que tanto desejava, não se permite provar da fruta que tanto ansiava, numa espécie de penitência que aplica a si mesmo, pois no fundo é consciente de sua própria crueldade.

Não demora muito para a história se converter num jogo de provocações erótico-agressivas, em que o caos sentimental, e as emoções em retalhos de ambos transforma seus mundos em uma torrente de violência e sexo movidos puramente por uma impulsividade represada.

Bad Guy é um drama de difícil assimilação, que foge do convencional, mostrando-se um tanto seco na progressão dos eventos, e propondo um enigma a seu espectador com a estranheza de seu final. Vale como um ótimo exercício de interpretação das intenções do diretor, mas mostra-se um tanto irregular em sua execução.

Nota: 3,5 de 5

Yojimbo (Yôjinbô, Japão)

Direção: Akira Kurosawa

Roteiro: Akira Kurosawa, Ryûzô Kikushima

Elenco: Toshirô Mifune (Sanjuro Kuwabatake / O Samurai), Tatsuya Nakadai (Unosuke, o pistoleiro), Eijirô Tonô (Jongi, taberneiro), Yôko Tsukasa (Nui), Isuzu Yamada (Orin), Kyû Sazanka (Ushitora),
Daisuke Katô (Inokichi, o irmão gordo de Ushitora),
Yoshio Tsuchiya (Kohei),
Seizaburô Kawazu (Seibei, operadora do bordel),
Yosuke Natsuki (filho de Kohei)

Ano de lançamento: 1961

Duração: 110 min.

Sinopse: Um habilidoso samurai (Toshirô Mifune) chega a uma cidade que é dominada e aterrorizada por duas gangues rivais, e decide jogar uma contra a outra para libertá-la do domínio dos criminosos.

Crítica:

Este é o 3º filme do Kurosawa que assisto, e novamente chama a atenção todo cuidado com que o diretor escolhe seus enquadramentos, e distribui com elegância os atores pelo cenário, deixando clara a posição de cada um deles no espaço, algo que muitos diretores atuais não têm o cuidado de fazer, o que compromete o entendimento da dinâmica dos atores em cena.

Também há o bom uso de espaços amplos, muitos deles desertos, que põem o indivíduo em perspectiva com o mundo que o cerca, um recurso muito usado por Sergio Leone em seus faroestes, o que deixa clara a influência de Kurosawa em sua obra.

Toshirô Mifune, mais a vontade do que nunca após ter interpretado tantos samurais em sua carreira, compõe um personagem que desperta carisma no espectador conforme seu caráter, bravura, e habilidade no manejo da espada se manifestam.

Mesmo tratando-se do retrato de um período conturbado do Japão, e apesar da premissa, que poderia perfeitamente render um filme com uma abordagem mais séria, Kurosawa é habilidoso em dosar tensão e humor, sem que um prevaleça sobre o outro. As interpretações caricatas contribuem para o tom cômico de algumas cenas que intermeiam combates mais violentos, embora estes surjam mais teatrais do que realistas.

O filme pode incomodar aqueles que esperam uma história mais movimentada, pois sua primeira metade é reservada para a apresentação do cenário e dos personagens, e para mostrar, sem pressa, as estratégias usadas por Sanjuro para acirrar a rivalidade entre as gangues, e acelerar um conflito direto.

A metade final guarda alguns dos melhores momentos, revelando as reais intenções do samurai e, o mais importante, sua humanidade. Neste ponto a seqüência mais emblemática é a fuga de Seijuro do covil onde foi espancado. Realista nos obstátulos enfrentados, e sem façanhas impossíveis, a seqüência expõe a fragilidade do herói, que passa por apuros quando depende apenas de sua arma para defender-se. Assim, quando a vitória vem, seus valores ganham um peso maior, pois os mesmos trazem consigo a superação da fragilidade humana que todos nós partilhamos.

Akira Kurosawa e Toshirô Mifune novamente mostram porque sua longa parceria é considerada uma das melhores da história do cinema.

Nota: 4,5 de 5

[REVIEW] Fringe - 3ª temporada

2011-05-07T13:42:00.007-03:00

Fringe é daquelas séries que deviam ser exibidas sem pausas durante as 22 semanas correspondentes ao número de episódios da temporada, por um motivo simples: a complexidade da trama principal, e as ramificações da mesma ao longo dos episódios.

O grande problema de uma série como Fringe é que muitos episódios, vistos isoladamente, correm o risco de soarem insignificantes para a evolução da história, ganhando força e importância apenas quando encarados sob o contexto maior construído ao longo da temporada.

Neste 3º ano a cuidadosa ligação entre os diferentes elementos da trama tornou-se mais evidente, com suas idas e vindas entre os dois universos, máquinas capazes de criar e destruir mundos, Peter se transformando no "gatilho humano" da pior arma de destruição em massa já concebida, e em meio a tudo isto mais casos isolados explorando a "ciência de borda." Portanto não é nada absurda a idéia de, ao término da temporada, realizar uma maratona para revê-la do início ao fim sem interrupções, algo que torna-se quase uma necessidade caso você queira aproveitá-la ao máximo.

A 3ª temporada de Fringe pode ser dividida em 4 arcos principais:

1º) a troca das Olivias entre os dois universos, e a forma como cada uma se adaptou a eles;

2º) a volta de Olivia ao "nosso" universo, e as conseqüências disto em seu relacionamento com Peter;

3º) a "possessão" de Olivia pela "alma/mente" de William Bell;

4º) o "nosso" universo entrando em colapso como conseqüência do enfraquecimento da barreira entre os dois mundos.

O primeiro arco de histórias apresentou alguns dos melhores momentos da temporada, a começar pela própria dinâmica estabelecida pelos roteiristas, que optaram por alternar a trama entre o "nosso" universo é o do "outro lado". Além disto, surpreendeu pela forma como o Walternativo lidou com a troca entre as duas Olivias, convertendo a "nossa" numa cópia da (B)Olivia, através da substituição de suas memórias pelas de sua versão alternativa. A idéia rendeu uma das melhores fases da personagem em toda a série, tornando a agente mais relevante para a trama do que jamais fora.

Este ano também superou as anteriores no trato que deu ao desenvolvimento dos personagens e o relacionamento entre eles. Tivemos Walter em seu esforço penitente para evitar que Peter se sacrificasse para salvar o "nosso" universo. Peter dividido entre as duas Olivias, além de ter que encarar seu papel fundamental para a existência um dos universos (ou ambos). Olivia lidando com o fato de Peter ter se apaixonado por sua versão alternativa, que mostrou-se mais descontraída e menos complexada que ela. E ainda uma maior interação entre Walter e William Bell, mesmo que de uma maneira completamente inusitada.

Peter foi o personagem que ganhou mais força na 3ª temporada, deixando definitivamente de ser um mero intérprete das idéias e teorias malucas de Walt, para ganhar um arco dramático mais relevante, algo que já vinha ocorrendo na temporada anterior, mas que nesta repercutiu significativamente na trama principal.

Já as reviravoltas no arco dramático de Olivia permitu que Anna Torv explorasse sua versatilidade como atriz, interpretando duas versões de uma mesma personagem, a ponto de criar linguagens corporais, expressões e entonação de vozes distintas, que ilustrassem a personalidade expansiva e vivaz de uma, e as atitudes racionais e reservadas da outra. Além disto encarou um dos maiores desafios de seu trabalho em Fringe até agora: emular a voz e os gestos característicos de William Bell, o que rendeu alguns dos melhores e mais divertidos momentos da série.

Merece elogios também a forma como os roteiristas integraram todos os episódios da temporada à trama principal. Mesmo os episódios fechados não deixavam de citá-la de alguma forma, ou mostrar seus efeitos sobre as decisões e atitudes dos personagens.

Os casos fechados da temporada conseguiram superar os da 2ª, fazendo com que o aspecto científico das histórias, apesar de presente e intrigante, cedesse mais espaço para o drama dos personagens envolvidos. Entre tantos, vale menções: o caso dos dois irmãos gêmeos separados pelo âmbar do universo alternativo (03x05 - Amber 31422); o homem que buscava reviver a mulher que amava numa versão poética e romântica de Frankenstein (03x09 - Marionette); ou o dramático episódio do serial killer que comia parte dos cérebros de crianças para rejuvenescer (03x07 - The Abducted). Além disto, muitos apresentaram paralelos com os problemas enfrentados por Olivia, Peter e Walter, tornando as tramas mais envolventes.

Paralelos também podem ser traçados entre a trama envolvendo as Primeiras Pessoas, e a máquina construída por elas, cujas peças foram enterradas milhares de anos antes da humanidade surgir na Terra. Sua origem e os misteriosos manuscritos e pergaminhos remeteram diretamente às profecias de Milo Rambaldi, vistas na série Alias, outra das criações de J. J. Abrams, criador e atualmente produtor executivo de Fringe. A idéia de uma máquina que pode tanto destruir como criar universos ampliou as possibilidades criativas da série, abrindo caminhos a serem explorados nas próximas temporadas.

Tendo em vista as restrições orçamentárias de uma produção pra TV, a direção de arte da série se saiu muito bem ao estabelecer as diferenças entre os dois universos, apresentando pequenas alterações nos cenários, e o uso de objetos cênicos e aparelhos que sugeriam uma tecnologia mais avançada que a nossa, tudo de maneira muito econômica mas eficiente.

Foi interessante também a forma como trabalharam os personagens do "outro lado", desfazendo aos poucos nossa impressão de que se tratavam de meras versões más dos personagens que já conhecíamos, seja através da dinâmica estabelecida entre os agentes da Divisão Fringe, que não demoraram para despertar simpatia pela forma amigável e descontraída com que se tratam; ou estabelecendo um passado trágico para o Coronel Broyles (no já citado The Abducted). Tivemos até mesmo um episódio que abordou com mais profundidade a vida de um transmorfo infiltrado no nosso universo em Do Shapeshifters Dream of Electric Sheep? (03x04).

A solução encontrada para a subtrama envolvendo a gravidez de (B)Olivia foi outra grande idéia. Tinha tudo pra ser daquele tipo que corria o risco de arrastar-se por muito tempo, e no fim acabou se resolvendo de maneira inusitada, dramática (permitindo um momento tocante entre (B)Olivia e o Agente Lee), e muito bem integrada à trama principal, com o bebê assumindo um papel relevante dentro da história na reta final da temporada.

E não podemos esquecer de Lysergic Acid Diethylamide (03x19), que apresentou uma resolução inesperada para o destino final (?) de William Bell, através de uma ousada mudança de formato, e inúmeras referências, que foram desde o filme A Origem, passando por Waking Life e Brilho Eterno de Uma Mente Sem Lembranças.

Por outro lado, a 3ª temporada contou com sua parcela de idéias que não foram devidamente exploradas, como o fato de Walter ter herdado de Bell a Massive Dynamics. Apesar de ganhar um verdadeiro parque de diversões para extravazar sua genialidade, seus recursos foram pouco utilizados, e ele acabou recorrendo ao velho laboratório na Universidade de Harvard para resolver a maioria dos casos.

Os poderes de Olivia também receberam pouca atenção dos roteiristas de Fringe, sendo mencionados apenas no início da temporada, quando o Walternativo procurava um meio de viajar para o "nosso" universo de maneira segura, e no final dela, quando se mostraram necessários para desativar a máquina do apocalipse, permitindo que Peter se aproximasse dela. Este é mais um elemento da intrincada trama de Fringe que vem sendo pincelado desde a 1ª temporada; ganhou um pouco mais de força no final da 2ª, quando Olivia foi a principal responsável por cruzar a barreira entre os universos com Walter e Peter; mas foi pouco usado na 3ª. Não sei até que ponto os roteiristas pretendem explorar esta peculiaridade da personagem nas próximas temporadas.

Também senti falta de abordarem mais casos de crianças que ganharam poderes devido aos experimentos de Walter e William Bell em Jacksonville, algo que na 2ª temporada pareceu que ganharia força nesta, e acabou sendo esquecido, exceto pelo rapaz que lia mentes no episódio Concentrate and Ask (03x12).

Talvez o elo mais fraco deste 3º ano de Fringe tenha sido a trama envolvendo a crise do relacionamento entre Peter e Olivia, após esta voltar do "outro lado". Os desentendimentos e desconfortos de ambos com a situação ficaram desinteressantes em certa altura, e em alguns momentos tornaram as histórias arrastadas no meio da temporada. Apesar disto, os roteiristas conseguiram se redimir em episódios como 6B (03x14), em que um casal de velhinhos começa a enfraquecer as barreiras entre os universos na tentativa de entrarem em contato com o que julgavam ser a alma de seu companheiro falecido no "outro mundo". Foi uma forma tocante de estabelecer um paralelo entre a situação deles e a de Peter e Olivia, que buscavam uma reaproximação, sem apelar para situações chatas e cansativas.

Subjetc 13 (03x15), o segundo episódio da série focado na infância de Peter, também me incomodou. Apesar de trazer novas revelações sobre a origem da crise entre os universos, não apresentou nenhuma explicação plausível para o fato de Peter e Olivia não se lembrarem que já se conheciam desde pequenos. Algo que pode ou não ser esclarecido nas próximas temporadas, mas que permanecerá como um furo gritante no roteiro até que isto aconteça .

Apesar das poucas escorregadas, Fringe continua se mostrando uma série revigorante, exibindo uma enorme força criativa, e uma vontade de arriscar-se por caminhos e soluções inesperadas, que muito lembraram as reinvenções de formato vistas em Lost. Prova disto é o desfecho apresentado ontem, que parecia nos levar por um caminho (a história seria ambientada no futuro a partir de agora), apenas para voltar atrás e nos jogar em outra direção (a fusão dos universos) que cumpriu com enorme eficácia a função de um episódio final de temporada: nos deixar ávidos pelo desenrolar da trama a partir de um novo indicativo de que tudo irá mudar a seguir (com Peter apagado da existência).

Fringe, nesta 3ª temporada, a melhor até agora na minha opinião, livrou-se de uma vez por todas da idéia de que ela não passava de uma sucessora de Arquivo X. As pretensões dos roteiristas da série se mostraram maiores do que isto, abordando idéias mais abrangentes como mundos alternativos, e máquinas criadoras e destruidoras de universos, mas jamais se esquecendo de trazer para o primeiro plano o drama humano envolvido com tais elementos grandiosos e histórias fantásticas.

Nota: 4,5 de 5

[CRÍTICAS] Filmes do Final de Semana

2011-05-02T19:42:00.003-03:00

A partir de hoje postarei no blog pequenas críticas de filmes que assisti no final de semana. Pra começar temos: Barton Fink - Delírios de Hollywood, Time - O Amor Contra a Passagem do Tempo, Rashomon e Minha Amada Imortal.

A idéia é postar semanalmente quatro críticas de uma só vez, mas estou aceitando sugestões para o formato.

Barton Fink - Delírios de Hollywood (Barton Fink, EUA)

Direção: Joel Coen

Roteiro: Joel Coen e Ethan Coen

Elenco: John Turturro (Barton Fink), John Goodman (Charlie Meadows), July Davis (Audrey Taylor), Michael Lerner (Jack Lipnick), John Mahoney (W. P. Mayhew), Tony Shalholb (Ben Geisler), Steve Buscemi (Chet)

Ano de lançamento: 1991

Duração: 116 min.

Sinopse: Nova York, 1941. Barton Fink (John Turturro) é o dramaturgo do momento e toda a Broadway, além da imprensa, se curva ao seu talento. Como conseqüência Fink vai para Hollywood para escrever um roteiro para um filme B, que aborda a luta livre. Ele se hospeda em Los Angeles no Earle, um hotel de segunda categoria, mas o objetivo de Fink é ficar longe de tudo e todos e se concentrar no seu roteiro. Porém, ele é atingido por um bloqueio de escritor de tal natureza que não consegue escrever nada. Charlie Meadows (John Goodman), seu vizinho, um amigável vendedor de seguros, tenta ajudá-lo, mas diversos acontecimentos bizarros, aliados a um calor infernal, surgem na vida de Barton.

Crítica:

Desde a fotografia primorosa de Roger Deakins, passando pelo visual opressor do hotel onde Fink se hospeda, e o uso inteligente de espaços vazios, e corredores vertiginosos, que ilustram a solidão e desorientação do protagonista num mundo ao qual não está habituado, a direção de Joel Coen funciona magnificamente a favor da história.

Barton Fink é quase um "irmão mais velho" de Adaptação, de Spike Jonze, outro filme excelente sobre um escritor com crise criativa. Neste a abordagem do tema é mais sóbria que naquele roteirizado por Charlie Kaufman, embora tenha sua parcela de delírios, como o subtítulo brasileiro deixa bem claro.

As atuações são muito equilibradas, com destaque para Michael Lerner, como o hilário e verborrágico Jack Lipnick; John Mahoney, que diverte muito em suas poucas partipações como o excêntrico W. P. Mayhew; e John Goodman, que sem muito esforço conquista a simpatia de Barton e do espectador interpretando Charlie Meadows.

Já John Turturro faz um de seus melhores papéis aqui, oscilando com segurança entre as pequenas neuras do personagem e os picos de histerismo, e torna palpável toda a angústia por ele sofrida.

A direção de arte também merece elogios pelo trabalho de recriação de época, e pelo quarto de Fink, que ao longo da história passa a refletir sutilmente o estado interior do personagem, desde os papéis de parede se despregando, até o quadro da moça diante do oceano que ele usa a todo momento buscando recuperar a paz que tanto almeja alcançar consigo mesmo. O design de som também é ótimo, reproduzindo com grande eficácia a tão conhecida sensação de desconforto que sentimos quando um pernilongo vem atrapalhar nosso sono, e os pequenos ruídos que ouvimos à noite quando o "silêncio" impera.

Mais um trabalho de direção exemplar de Joel Coen, que ao lado do irmão prova mais uma vez seu talento em equilibrar comédia e drama, e ainda se permite acrescentar uma dose de suspense que perdura até o último take, que é tanto poético quanto enigmático.

Nota: 4,5 de 5

Time - O Amor Contra a Passagem do Tempo (Shi gan, Japão e Coréia do Sul)

Direção: Ki-duk Kim

Roteiro: Ki-duk Kim

Elenco: Jung-woo Ha (Ji-woo), Hyeon-a Seong (See-hee), Park Ji-Yeon (Seh hee - antes da cirurgia), Sung-min Kim (cirurgião plástico)

Ano de lançamento: 2006

Duração: 97 min.

Sinopse: Seh-Hee (Park Ji-Yeon) e Ji-Woo (Jung-Woo Ha) são namorados de longa data. Eles estão apaixonados, mas Seh-Hee tem uma crise de ciúmes quando seu namorado se sente atraído por outra mulher. Ela está convencida de que Ji-Woo perderá o interesse no relacionamento à medida que o tempo for passando. Para prevenir o rompimento, Seh-Hee decide passar secretamente por uma cirurgia plástica, de modo que ela se torne uma "nova mulher" para o namorado. Certo dia ela desaparece do mapa, deixando Ji-Woo magoado. Com o tempo, porém, ele vai se esquecendo de Seh-Hee, e termina por se apaixonar por uma mulher misteriosa, que guarda um segredo que mudará suas vidas.

Crítica:

Sempre admirei a qualidade plástica dos filmes de Ki-duk Kim, e sua capacidade de dizer muito com poucas palavras, como em Casa Vazia, ou no visualmente arrebatador Primavera, Verão, Outono, Inverno... e Primavera. Porém neste filme achei que pesou-lhe um pouco a mão.

A premissa é criativa, e toca sem rodeios num tema contemporâneo e relevante. Além disto Ki-duk faz bom uso de metáforas visuais que ilustram os anseios dos personagens, sendo a mais evidente delas a praia de esculturas, em sua falsa ilusão de imutabilidade diante da passagem do tempo. Tinha tudo para ser um ótimo thriller psicológico, mas...

A recorrência com que alguns cenários são revisitados no decorrer da história acaba tornando-a redundante a partir de um certo ponto. A impressão que o diretor passa é de que ele queria deixar bem claro o significado de determinados cenários para aqueles personagens, como fica evidente nas inúmeras vezes em que aparece a escultura que ilustra o cartaz do filme.

Além disto as interpretações soam exageradas em diversos momentos, o que acaba comprometendo o efeito dramático de algumas cenas.

Reconheço o talento do diretor, e entendo as intenções que o levaram a dirigir este filme, e o que fez com que tomasse certas escolhas, mas a execução me pareceu um tanto desarticulada. Os personagens são frágeis, pouco desenvolvidos, e não cativam. Assim fica difícil se importar com seus dilemas.

Ainda assim, a história funciona como uma boa crítica à superficialidade de grande parte das relações humanas.

Nota: 3 de 5

Rashomon (Rashômon, Japão)

Direção: Akira Kurosawa

Roteiro: Akira Kurosawa, Kazuo Miyagawa, Ryonosuke Akutagawa, Shinobu Hashimoto

Elenco: Minoru Chiaki (Sacerdote), Takashi Shimura (Lenhador), Kichijiro Ueda (Plebeu), Machiko Kyô (Masako Kanasawa), Toshirô Mifune (Tajômaru), Masayuki Mori (Takehiro Kanasawa), Fumiko Honma (Médium), Daisuke Katô (Policial)

Ano de lançamento: 1950

Duração: 88 min.

Sinopse: O filme descreve um estupro e assassinato através dos relatos amplamente divergentes de quatro testemunhas. A história se desvela em flashbacks conforme quatro personagens recontam os eventos de uma tarde em um bosque, através de um flashback dentro de outro, pois os relatos das testemunhas são recontados por um lenhador (Takashi Shimura) e um sacerdote (Minoru Chiaki) para um grosseiro plebeu (Kichijiro Ueda), enquanto eles esperam por uma tempestade em um portal arruinado. Cada história é mutuamente contraditória, deixando o espectador incapaz de determinar a verdade sobre os eventos.

Crítica:

Considerado a obra-prima de Akira Kurosawa, dono de um dos roteiros mais inovadores do cinema, Rashomon é um dos filmes de maior influência da história da 7ª arte, tendo servido de fonte de inspiração tanto para inúmeras produções cinematográficas, como também para séries de TV e até desenhos animados. Com tantos atributos, falar desta obra de Kurosawa se torna uma tarefa que intimida qualquer cinéfilo que se dedica a escrever sobre sua paixão e tem o mínimo de respeito por ela.

A trama é envolvente do início ao fim, explorando múltiplos pontos de vista, e a verdade por trás do assassinado de um samurai. Nela importa mais desvendar os motivos que levaram cada personagem a contar versões contraditórias de um mesmo fato, do que a verdade em si. É interessante notar que cada narrador opta por uma abordagem que, de uma maneira ou de outra, preserve sua honra, uma das virtudes mais valorizadas pelos japoneses.

Já a direção de Kurosawa exibe um virtuosismo que em nenhum momento é usado gratuitamente. Seus travellings surgem na medida certa, embrenhando-se na floresta em que se passa boa parte da trama, sem que a câmera que acompanha toda a ação do elenco se perca em tomadas confusas. Seus ângulos e enquadramentos são determinados com precisão, compondo um mise en scène harmônico. Além disso, durante as cenas dos depoimentos, Kurosawa opta por jamais mostrar os interrogadores, cujas vozes sequer são ouvidas, evidenciando seu desejo de reservar tal papel a nós, espectadores, que acompanhamos as narrativas conflituosas.

É notória ainda a estrutura engenhosa do roteiro, que se desenrola em três níveis distintos: o primeiro sendo aquele em que o padre, o lenhador e o plebeu conversam debaixo do portal Rashomon; enquanto no segundo temos as seqüências que correspondem às narrativas do lenhador e do padre referentes aos interrogatórios; e no terceiro temos as múltiplas versões do crime da floresta. A maneira com que os três são apresentados e se alternam é elegante o bastante para tornar a trama mais intrigante do que confusa (embora haja uma parcela intencional de confusão).

Confesso que as atuações me incomodaram um pouco por seu overacting, mas, levando em conta que a maioria delas estão inseridas nas narrativas apresentadas pelo lenhador e o padre ao plebeu, não se pode descartar a idéia de que as mesmas refletem a impressão dos narradores sobre aqueles personagens, e não os personagens tais como são na realidade.

Seja como for, 61 anos depois, Rashomon permanece como uma obra que merece todo prestígio e respeito que conquistou. Magnum opus de um dos diretores cuja obra todo amante de cinema deve conhecer.

Nota: 5 de 5

Minha Amada Imortal (Immortal Beloved, Reino Unido e EUA)

Direção: Bernard Rose

Roteiro: Bernard Rose

Elenco: Gary Oldman (Ludwig van Beethoven), Jeroen Krabbé (Anton Feliz Schindler), Isabella Rossellini (Anna Marie Erdödy), Johanna ter Steege (Johanna Reiss), Marco Hofschneider (Karl van Beethoven), Valeria Golino (Giulietta Guicciardi)

Ano de lançamento: 1994

Duração: 121 min.

Sinopse: Viena, 1827. Ludwig Von Beethoven (Gary Oldman) morre e um grande amigo do compositor, Anton Felix Schindler (Jeroen Krabbé), decide cumprir o último desejo do maestro, que deixava em testamento tudo para a "Amada Imortal", sem especificar o nome desta mulher.

Assim empreende uma jornada tentando localizá-la, encontrando em sua procura um retrato desconhecido de Beethoven.

Crítica:

Possuindo uma estrutura narrativa que lembra a de Cidadão Kane, a trama de Minha Amada Imortal é sustentada pelos depoimentos de personagens que conviveram em algum momento com Ludwig van Beethoven (Gary Oldman), do auge à decadência de sua carreira e de sua saúde.

Além da primorosa direção de arte e figurinos, que recriam com excelência o período histórico em que se passa a trama, a ótima fotografia valoriza os cenários e paisagens, seja realçando a suntuosidade de ambientes requintados, ou refletindo nestes o estado interior do protagonista.

Outra aspecto técnico que se destaca é o design de som, que reproduz com precisão a surdez de Beethoven em diversos momentos da história, levando o espectador a dividir com o personagem desde o aflitivo momento em que sai pelas ruas à procura de Karl (Marco Hofschneider), até o belíssimo instante em que ele demora alguns segundos para se dar conta de que estava sendo aplaudido de pé por uma platéia extasiada.

Usando de maneira inteligente composições do próprio Beethoven em quase toda a trilha sonora, ressaltando a importância de passagens marcantes na vida do compositor, Bernard Rose utiliza com brilhantismo o 2º movimento da 7ª Sinfonia em A maior, op. 92, para pontuar os conflitos entre Beethoven e Johanna (Johanna ter Steege) pela guarda de Karl, cuja profundidade só passamos a entender no último ato do filme. E, claro, a belíssima execução de Ode à Alegria, da 9ª Sinfonia, no momento mais sublime o filme, o qual faz por merecer um parágrafo à parte.

Beethoven sobe ao palco para acompanhar de perto a execução daquele que é o auge de sua obra mais famosa, e a partir daí começa uma alternância entre cenas do teatro onde ele se encontra diante da orquestra, e outras de um episódio marcante de sua infância. Toda a seqüência é de uma beleza arrebatadora, e termina com Beethoven, ainda menino, flutuando sobre a superfície de um lago que reflete o céu noturno acima. A câmera vai se afastando da criança, que se perde no meio das estrelas. O simbolismo é simples e direto: naquele que é seu momento de maior realização, Beethoven rememora o primeiro passo que deu na infância, para longe da pobreza e do sofrimento que o cercavam, e alcança com sua obra um patamar mais elevado, que o faz sentir-se parte de algo maior que ele próprio.

O filme poderia perfeitamente acabar sem prejuízos na cena descrita no parágrafo acima. Eu mesmo a considero o final ideal, mas o diretor preferiu se estender um pouco mais, e amarrar as pontas soltas que espalhou no decorrer da história, as quais são bem resolvidas, e emocionam na medida certa, mas não conseguem se igualar à catarse proporcionada minutos antes.

Com um elenco de interpretações competentes e equilibradas, destaca-se, obviamente, Gary Oldman, que faz um trabalho brilhante, conseguindo retratar bem o efeito dos anos sobre o personagem, e a deterioração física e mental de Beethoven, apoiado pela boa maquiagem. Isabella Rossellini também faz um ótimo trabalho interpretando Anna Marie Erdödy.

Minha Amada Imortal é tanto uma excelente cinebiografia de Beethoven, como um estudo sensível de um personagem cuja obra eternizou-se na consciência coletiva da humanidade. Não há neste mundo quem não conheça uma composição que seja deste gênio que até hoje desperta enorme fascínio, elevando a alma de quem ouve suas composições a dimensões apenas vislumbradas pelo homem em seus sonhos mais sublimes.

Nota: 5 de 5

[RESENHAS] Musashi - Volumes I e II

2011-05-01T12:42:00.010-03:00

Autor: Eiji Yoshikawa
Nº de páginas: 1808 páginas (922 do volume 1 e 887 do volume 2)
Editora: Estação Liberdade
Sinopse: Neste romance épico baseado diretamente na história japonesa narra um período da vida do mais famoso samurai do Japão, Miyamoto Musashi, que viveu presumivelmente entre 1584 e 1645. O início é antológico, com Musashi recuperando os sentidos em meio a pilhas de cadáveres do lado dos vencidos na famosa batalha de Sekigahara. Perambula a seguir em meio a um Japão em crise, onde samurais condenados ao desemprego e à miséria por senhores feudais derrotados semeiam a vilania ditando a lei do mais forte. Musashi será mais um dentre estes inúmeros pequenos tiranos, derrotando impiedosamente quem encontra pela frente, até que um monge armado apenas de sua malícia e alguns preceitos filosóficos zen-budistas consegue capturá-lo e pô-lo rudemente à prova. Musashi consegue fugir graças a uma jovem admiradora, para ser novamente capturado, e agora fica três anos confinado numa masmorra onde uma longa penitência, toda feita de leituras e reflexões, o fará ver um novo sentido para a vida, assim como novos usos para sua força e habilidade descomunais. Os caminhos rumo à plenitude do ser jamais são fáceis, e em seus anos de peregrinação em busca da perfeição, tanto espiritual quanto guerreira, enfrentará os mais diversos adversários, tendo inclusive que sair-se várias vezes de situações desesperadoras. É numa dessas situações que, totalmente acuado, usará pela primeira vez, em meio ao calor da luta e quase inconscientemente de início, a surpreendente técnica das duas espadas, o estilo Niten ichi, que o tornaria famoso pelo resto dos tempos.

Volume I

Foram as 922 páginas mais prazerosas que já li até hoje. Poucos s

ão os autores que conseguem segurar um leitor numa obra tão extensa como esta sem perderem o foco e começarem a enrolar, e isto é algo do qual não podemos acusar Eiji Yoshikawa.

Pra começar, seu estilo é muito simples, suas descrições de cenários são muito econômicas e objetivas, e ainda encontram espaço para metáforas inspiradas e poéticas, sem fazer uso de um vocabulário rebuscado e tomar um espaço desnecessário da história em si.

Outro elemento que se destaca na obra são os diálogos.

Todos têm uma fluidez que torna a leitura agradável, pois os personagens, mesmo aqueles que falam de uma maneira mais "formal", conversam como pessoas normais, e não como "personagens de um livro". Neste ponto a tradutora Leiko Gotoda merece méritos pela excelente adaptação do texto para o nosso idioma.

Mas é claro que a história não teria essa capacidade de conduzir o leitor com tanta eficácia se não existissem personagens cativantes e marcantes, e Musashi está cheio deles, a começar pelo protagonista, de personalidade forte, impulsiva, que esconde por trás de sua agressividade e imprevisibilidade uma sabedoria conquistada ao longo de uma dura e longa jornada que temos o prazer de acompanhar desde o início.

Otsu, eternamente apaixonada por Musashi, também conquista nossa simpatia por não ser apenas uma mocinha chorosa, que fica lamentando o tempo todo (embora ela tenha sua parcela de lamentações e choros ao longo da história), e suas aventuras ao lado de Joutaro, o garoto que torna-se discípulo de Musashi, funcionam como subtramas divertidas.

Além deles, temos o monge Takuan, que é um dos personagens mais engraçados e carismáticos da saga, cujas poucas aparições sempre rendem ótimos momentos de sabedoria regados com muito humor. E não podemos esquecer dos tragicômicos Matahachi e Osugi.

Com uma seleção variada e muito bem trabalhada de personagens, uma trama que flui com segurança e jamais se torna maçante, ótimas seqüências de luta, várias lições de filosofia oriental e história do Japão, Musashi é uma obra-prima que merece a adoração que conquistou desde sua publicação. Nada menos do que o merecido para o nascimento de uma lenda.

Volume II

Este volume, ligeiramente menor que o anterior, curiosamente parece possuir um peso maior no que diz respeito à quantidade de ensinamentos presentes na história, e à profundidade que eles alcançam.

Desde o início se mostrando uma obra ambiciosa, cujo desenrolar fluido torna sua leitura agradável, o volume 2 de Musashi confirma o que o primeiro já comprovava: Eiji Yoshikawa é um dos grandes escritores japoneses, e um dos melhores que este mundo já viu.

Neste a história assume um ritmo mais lento, em contraste com o turbulento final do volume anterior, o que funciona como uma retomada de fôlego, um momento de transição para a história e seu protagonista. Há uma mudança marcante na maneira como Musashi passa a encarar sua própria jornada até ali, e o verdadeiro sentido por trás dela. Ele assume uma postura mais humilde e contemplativa, e passa a encarar a vida de um ponto de vista mais elevado, enxergando agora o "caminho do guerreiro" como algo que vai além dos duelos.

Mas Eiji não se esquece do magnífico trabalho de composição e desenvolvimento de personagens exibido no primeiro livro, e aqui prossegue mais à vontade, conduzindo cada um deles com naturalidade ao longo da trama, tirando proveito da empatia que seus leitores estabeleceram com vários dos coadjuvantes no volume anterior.

É tocante e admirável ver a maturidade e resignação alcançada por Otsu, ao mesmo tempo que demonstra uma esperança inabalável, e uma devoção que alimenta cuidadosamente, demonstrando o enorme equilíbrio alcançado ao longo dos anos de espera. Além disto, é a protagonista de uma das seqüências mais emocionantes do livro, que serve de catalizadora da redenção de outra personagem. Otsu é, de longe, a personagem mais apaixonante da obra.

Osugi continua a velha senhora que amamos odiar no primeiro volume, cuja incansável busca por vingança continua gerando ótimas tiradas de humor. Enquanto Matahachi desperta nossa compaixão, levando-nos a lamentar os erros que comete quase que por compulsão, apesar das várias chances que recebe de dar um rumo melhor para sua vida.

Embora não dê para esmiuçar aqui o desenrolar das histórias de cada coadjuvante, vale mencionar a introdução de Iori, o novo discípulo que Musashi ganha neste volume, cuja personalidade Yoshikawa consegue diferenciar muito bem da de Joutaro. Takuan tem poucas mas ótimas aparições na história, ainda exibindo o enorme carisma que conquistou muitos leitores no volume 1. E, claro, temos mais um pouco de Sasaki Kojiro, cuja rivalidade com Musashi vinha sendo alimentada desde a metade do volume anterior, alcançando aqui sua culminância.

Além do longamente esperado confronto entre Musashi e Kojiro, este divide com o primeiro aquela que julgo uma das melhores cenas de humor deste volume. Ela que se passa numa casa de chá, onde Kojiro, conversando com alguns pedreiros, começa a criticar severamente o desempenho de seu futuro adversário na batalha de Ichijoji, apenas para descobrir, minutos depois, que Musashi ouvia toda a conversa enquanto fingia estar dormindo num cômodo vizinho. A forma como toda a cena se desenrola, e o instante em que Kojiro descobre Musashi, ainda deitado, encarando-o fixamente, é uma das grandes provas de quão completo é Eiji Yoshikawa como autor, que se sai bem tanto em cenas cômicas, quanto naquelas de peso mais dramático.

Yoshikawa continua merecendo todos os elogios possíveis com relação à forma como leva o leitor a pincelar em sua mente traços precisos e evocativos dos cenários e paisagens descritos, sem lhe exigir o menor esforço, com a mesma leveza e espontaneidade com que Musashi pinta paisagens no estilo haboku em diversos momentos da narrativa, tudo isto de uma forma envolvente e imersiva.

ATENÇÃO, o parágrafo abaixo contem SPOILERS que podem estragar surpresas do final da história!

Por fim, é digna de nota a decisão do autor de concluir a história de Musashi em seu momento mais glorioso, sem encerrar todas as subtramas até ali desenvolvidas. Este é o maior indicativo de que trata-se, acima de tudo, de uma grande homenagem de Yoshikawa a um dos mais fascinantes personagens do Japão, e um convite que ele deixa ao leitor para continuar desvendando Musashi em outros livros a partir daquele ponto, tornando a experiência de conhecer sua história tão plena quanto a visão que Musashi alcança do "caminho do guerreiro". Sua vida vai muito além do que dois livros são capazes de retratar, especialmente quando falamos de um homem que conseguiu ser maior que a própria.

Obs.: as resenhas acima foram originalmente publicadas na rede social Skoob.

[FELIZ NATAL] - Hohoho

2010-12-23T09:38:00.002-02:00

Não é porque eu sou um porco ateu que ia deixar me levar pelo consumismo e esquecer o verdadeiro significado desse dia tão especial né?

[O MÊS DOS MORTOS] The Walking Dead – A Série de TV

2010-10-26T21:09:00.019-02:00

ATENÇÃO: o texto abaixo contém alguns SPOILERS!!

31 de outubro de 2010 já se tornou uma data histórica. 42 anos depois de George Romero nos brindar com um dos maiores e melhores clássicos do terror, o seminal A Noite dos Mortos Vivos, Frank Darabont, o diretor responsável por algumas das melhores adaptações cinematográficas de obras de Stephen King (Um Sonho de Liberdade, O Nevoeiro, entre outras), estréia no visionário canal AMC (da excepcional Breaking Bad, e da aclamada Mad Men), a adaptação de uma das mais elogiadas HQs de terror já escritas, criada por Robert Kirkman e Terry Moore. É um sonho se realizando para uma legião de apreciadores de um dos subgêneros mais populares do terror: o apocalipse zumbi.

Comentário do C: Uma coisa curiosa sobre o Halloween é que ele é um dos poucos acontecimentos da cultura anglo-saxônica que não "pegou" por aqui. Nós temos um feriadinho paia que ninguém dá muita coisa por ele (dia de finados), mas não é nem perto do quanto a véspera do dia de todos os santos é importante na cultura americana. Evidentemente que é o dia que começará o apocalipse zumbi, então, por favor, tenham a decência de não começar nenhum experimento ou ritual nesta data, obrigado.

Agora, sei lá, foi só eu que não sabia que porra de canal é esse AMC? Acidente Molecular Cerebral?

A verdade é que tal fato já era esperado. A HQ fez sucesso praticamente desde sua estréia em 2003 (a primeira edição foi reimpressa 6 vezes!), e conforme Robert Kirkman ia demonstrando sua capacidade de escrever uma série longa sem perder a mão, e mantendo o leitor sempre ansioso pela próxima edição, não demorou muito pra começarem a achar que era o material perfeito pra ser transformado numa série de TV, desde que houvesse alguém capaz de convencer algum canal de televisão de que uma série de terror focada no drama dos personagens era garantia de sucesso.

Comentário do C: Eu tenho todas as críticas do mundo a Lost, mas tenho que admitir que a série mudou a visão que o mundo tem dos seriados. Depois de Lost se decidiu que dava pra extrair um "drama pessoal" sério de qualquer coisa. Tanto é que tivemos até de Super-Heróis (antes de Heroes cagar no tomate). Então, uma vez provado que dava pra aplicar esse "padrão seriado" de qualidade, era só questão de tempo até alguém perceber o óbvio: Walking Dead.

Tenho fé que um dia expandirão esse padrão de qualidade (focado em tramas pessoais bem feitas) para universos que eu pago pau infinitamente. Quem não daria a orelha da mãe por um seriado foda de Halo?

Adendo do Wolv: Além disto, como bem observou o pessoal do Omelete, Walking Dead é uma série que, se fizer sucesso (e muitos estão apostando nisto), abrirá espaço para que outros quadrinhos de temática mais adulta sejam adaptados pra TV. Já estão falando de uma adaptação de Sandman, e no ano passado surgiu o boato de que adaptariam Fábulas, outra HQ que recomendo muito a leitura.

6 anos depois do lançamento da HQ, eis que surge Frank Darabont com uma proposta de adaptar os quadrinhos para o formato de telefilmes, a qual é aceita e bancada pelo canal AMC. Conforme a produção avançava, os executivos da emissora acreditaram na força do material que tinham em mãos, e aprovou a produção de uma série. A confiança é tanta que já deram sinal verde para a 2ª temporada.

Comentário do C: Ainda podemos ter fé no bom senso da humanidade? E... WTF, canal AMC ainda tô tentando engolir. Chamarei de America Channel doravante, pronto.

Tanto a história da HQ como a da série gira em torno de Rick Grimes (Andrew Lincoln), um policial de uma cidadezinha de interior que é baleado durante uma operação que dá errado, entra em coma devido à gravidade do ferimento, e só desperta depois que o mundo inteiro virou um caos. Daí pra frente, descobrimos com Rick o estado em que as coisas se encontram.

Comentário do C: Pessoalmente esse não é meu estilo de narrativa favorito, devo dizer. Veja, o "cara novo" no mundo através de quem o espectador conhece o universo (como melhor exemplo, pegue a Arquiteta de Inception, para quem é explicado tudo, e quem são os caras) é uma técnica válida, mas eu prefiro algo mais estilo Zumbilândia - que o cara já conhece o mundo, já tem suas regras, e nós vamos sendo apresentadas a elas sem prévio aviso (em Zumbilândia não tem essa "carona" narrativa com o protagonista).

Adendo do Wolv: Tendo em vista que a HQ foi lançada um ano depois de Extermínio, que representou uma reinvenção do gênero na época, podemos dar um desconto pro Robert Kirkman, que, afinal, estava tentando emplacar o projeto partindo de uma fórmula que deu certo. Felizmente, através do desenrolar da trama, ele se distanciou muito de sua fonte de inspiração inicial.

Muitos vão falar da semelhança entre o começo da série e o do filme Extermínio, de 2002, e alguns até o acusarão de plágio. Na HQ realmente soa como um plágio, porque não há muitas diferenças entre as duas histórias neste ponto, mas na série de TV, Darabont conseguiu realizar um trabalho tão primoroso expandindo essa seqüência (nos quadrinhos dura apenas umas poucas páginas), a ponto de torná-la mais tensa e impactante que a vista no filme de Danny Boyle. É uma seqüência brilhante, que cria uma atmosfera opressiva, gerando estranheza de início, depois ansiedade e por fim puro terror.

Comentário do C: Hmm, nesse ponto eu discordo. Eu realmente prefiro a cena de Extermínio por mais nada, porque Londres jogada às moscas é muito mais perturbador que uma cidadezinha do interior de merda, que provavelmente estaria às moscas de qualquer jeito. O impacto é totalmente diferente. Eu achei a seqüência arrastada demais, e os primeiros mortos-vivos que aparecem no seriado são jogados sem muito estilo.

Veja, todo mundo sabe que os mortos vencem pela quantidade, e veremos hordas de zilhões deles, é isso que se espera afinal, mas quando aparece o primeiro para dar o clima de "não estamos mais no Kansas, Totó" merece um tratamento especial. E eu achei que faltou esse brilho, que é um dos grandes momentos quando falamos de mortos-vivos. Como o protagonista descobre que os mortos andam é um momento marcante, e eu achei muito "méeeh" nesse episódio.

Adendo do Wolv: Concordo em parte. De fato o primeiro contato do Rick com um morto-vivo deixou a desejar.

E sobre eu achar a seqüência melhor que a de Extermínio, acredito que seja mais por já fazer algum tempo que assisti o filme. O impacto foi maior justamente por esse "distanciamento".

A série conseguiu traçar um panorama geral da tragédia que assolou o mundo ainda mais inquietante, optando por gastar mais tempo apresentando o cenário de desolação e abandono (e demonstrando o quanto o canal está confiante de seu sucesso, a ponto de investir tanto na produção de cenários).

Comentário do C: Ainda considero a possibilidade da série ter sido filmada numa quarta-feira de uma cidadezinha cu do mundo do interior qualquer. Diz aí, Rodrigo, Guaxupé realmente seria muito diferente se acontecesse um apocalipse zumbi ou mal daria pra notar? Pois é.

Adendo do Wolv: Guaxupé seria mais morta do que normalmente já é.

Outro ponto em que a série se sai melhor que os quadrinhos é no desenvolvimento dos personagens.

O diálogo entre Rick e Shane, antes do tiroteio, é uma cena que não existia na HQ, mas que funciona muito bem na série, estabelecendo uma dinâmica entre eles, que mais adiante criará um contraste maior quando os dois se encontrarem no acampamento de sobreviventes, visto rapidamente no final do episódio.

Comentário do C: Eu sou suspeito pra falar, já que eu sou um grande sucker por esse tipo de conversa. Que atire a primeira pedra quem não lembrou dos filmes do Tarantino onde os personagens normalmente têm conversas filosóficas absurdamente fodas sem relação nenhuma com a trama (como por exemplo, qual a moral da música "Like a Virgin"). A conversa desse episódio não é tão infinitamente foda assim, mas é muito bom ver os personagens em vidas normais falando sobre coisas do cotidiano, e não apenas vivendo em função da aventura.

O mesmo pode ser dito sobre o breve período em que Rick fica na casa de Morgan e Duane. Além de servir de guia para Rick, Morgan é quem protagoniza uma das melhores cenas deste piloto, quando procura superar seus sentimentos pela esposa morta e convertida em zumbi, e tenta matá-la. É uma seqüência de forte carga emocional, que tem grande impacto sobre o espectador, em parte graças à ótima atuação de Lennie James, que se destaca neste episódio, e também à edição excepcional, que alterna entre o conflito emocional de Morgan e o conflito moral de Rick, quando este volta ao parque pra dar cabo da zumbi sem pernas.

Comentário do C: Eu estou com acesso limitado a internet aqui, então me confirma: esse por acaso não é o negão de Jericho? Porque se for o mesmo, tá explicado tudo. Na mão de qualquer ator teria sido uma cena amarrada e chata pra caralho, não adequada para caras fodas que nem eu, mas a coisa é tão bem feita, que eu não só tive saco o bastante para assistir, como fiquei em dúvida sobre o que iria acontecer. E, tipo, eu sou inteligente pra caralho, então eu querer saber o que vai acontecer, e não apenas deduzir, é um grande mérito da série.

Adendo do Wolv: Sim, é ele mesmo.

Claro que a série não fica só por conta de desenvolver e dar maior complexidade psicológica a seus personagens. Como todo bom filme de desmortos, The Walking Dead também tem uma boa dose de gore, e faz questão de exibir isto na ótima cena de abertura, quando Rick é forçado a plantar um tiro na cabeça de uma garotinha zumbi. Eu chamo essa cena de “ou vai ou fica”. É daquele tipo que já deixa bem claro para o espectador o que esperar da série, e já afasta de vez quem não tem estomago pra encarar cenas tão fortes como esta. Daí pra frente, prepare-se pra ver muitos tiros e tacos de baseball explodindo miolos de mortos vivos, sempre mostrados de maneira explícita, e o “banquete” no final, que mostra até onde vai a fome dos zumbis por carne.

Comentário do C: HOLY DANCING CRAP OF AWESOME APOCALIPSENESS! Necessário dizer apenas que a série começa com uma garotinha levando um headshot na cabeça! Isso é infinitos níveis de formidavel fr0m h311!

O que tem de tão incrivel numa série abrir com uma criança sendo baleada na fuça? Você deve estar pesando que eu sou um sado-pedo-necrófilo amalgamo, mas não é isso. Nos tempos politicamente corretos em que vivemos, nos últimos dez anos, qual foi a última vez que você viu alguém dizer um ai para uma criança? Eu lembro do brilhante AVP2 (um dos filmes mais underrated de todos os tempos) e só. Deve ter mais. Mais precisamente, em alguns estados americanos, você pode perder a guarda de seu filho se você elevar a voz com ele. Isso diz a bicharlhadice dos tempos em que vivemos.

Então eu pensei "pfff, eles não têm OS CULHÕES NECESSÁRIOS para fazer um seriado foda sobre mortos-vivos".

E a série me respondeu "ah é, bebé? Então saca só!"

EU FUI UM HEREGE SEM FÉ! ÓH COMO FUI TOLO, COMO FUI TOLO!

The Walking Dead tem tudo pra agradar quem curte boas histórias de terror e suspense, e dramas de sobrevivência. A ambientação lembra tanto os filmes clássicos de Romero, quanto o romance Ensaio Sobre a Cegueira, de José Saramago, cujas as vítimas da epidemia de cegueira que assola o país não são muito diferentes dos mortos-vivos tradicionais (recomendo o livro e a adaptação para o cinema).

Comentário do C: Recomendo só a adaptação para o cinema, mas meu ponto contra o Saramago não é a questão aqui...

A julgar por este início, deu pra notar que Frank Darabont e sua equipe de roteiristas estão dispostos a ser tanto fiéis à obra original, como torná-la ainda melhor em sua transição para a TV, com um cuidado maior no desenvolvimento dos personagens e seus dramas, e numa melhor exploração do mundo que se criou após a praga.

Tendo lido a HQ até a edição 54 (atualmente está na 78 lá fora), posso garantir que a história só tende a melhorar, com muitas reviravoltas, momentos chocantes, e cenas altamente polêmicas. A equipe responsável pela série já mostrou que tem coragem de ousar, e isto é um ótimo sinal. A TV ficou mais interessante com a estréia de Walking Dead, sem dúvida a melhor série da temporada.

Comentário do C: Um último ponto que eu gostaria de ressaltar é a incrivel capacidade de chocar dos caras. Tipo, eu já vi muita coisa, mesmo, e pouca coisa nesse mundo me impressiona. Mas eu fiquei impressionado com a cena do cavalo. Para te convencer a assistir essa série, direi que tripas de cavalo são devoradas com o mesmo ainda se debatendo. Pô, era um bom cavalo, era um cavalo maneiro, e havia empatia com ele, e então... e então... e então... PQ? POR QUEEEEEEEEEEEEE?

O cavalo não! Tudo menos o cavalo!

O que me lembra daquele filme Eu Sou a Lenda, onde 5 bilhões de pessoas morrem, mas a cena mais emocionante do filme é quando um único cachorro morre. Isso não diz tanta coisa sobre a nossa espécie?

[O MES DOS MORTOS] - Resident Evil

2010-10-24T16:52:00.005-02:00

Todos nós nerds, ao compreender que estamos nesta vida fomos amaldiçoados com uma nefasta e assombrosa maldição. E eu não me refiro a inabilidade de pegar uma mulher em menos de duas horas mesmo que sua vida dependa disso, e sim a algo muito mais grave e importante que só nós sabemos.

Nós sabemos como a humanidade vai terminar.

Sim, nós temos esse conhecimento. Todo nerd de verdade sabe. Tanto é que nós falamos desse dia "quando" acontecer e não "se" acontecer. Nós sabemos como será o fim: não tem nada haver com as bichesses dos eco-chatos, não tem haver com meteoros e certamente não tem haver com profecias de indios que levaram ferro. Certamente que não.

A humanidade acabará quando os mortos andarão sobre a face da Terra e só uma questão de tempo para isso acontecer.

“Quando não houver mais espaço no inferno, os mortos andarão sobre a face da terra”
- Dawn of Dead, George Romero

Não se sabe como vai acontecer nem quando, nem porque. Pode até ser por uma causa bem intencionada (tipo alguem quis criar a cura definitiva para a rinite cronica). Não importa. O que importa é que eventualmente as cidades serão silenciosas e deserticas, pois estarão todos mortos.

Detentores deste conhecimento imprescindivel, e sabendo que a humanidade não merece a salvação, fazemos então a unica coisa que podemos fazer: nos preparamos.

Que atire a primeira pokebola o nerd que nunca pensou onde se abrigar ou o que fazer QUANDO o dia vier. Enquanto as atuais castas superiores da humanidade ficarão em panico correndo em circulos sem querer acreditar no que esta acontecendo (e tendo suas tripas arrancadas no processo), nós não perderemos tempo com isso porque já estavamos preparados.

Nós sabemos que O DIA virá. Os mortos andarão sobre a face da Terra.

E será um dia glorioso.

Em homenagem a este grande dia, e a grande série que estreiou esse mes, as postagens de novembro (onde se comemora o dia de finados) serão tematicamente sobre este tema que fala sobre um assunto temático (pleonasmos por conta da casa).

E para começar esse mes especial, falarei sobre o segundo grande jogo (o primeiro foi Zombies Ate my Neightboors) sobre este tema temático: Resident Evi.

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RESIDENT EVIL - PSX (Capcom, 1996)

Como já devem ter percebido vivemos em uma fase de transição nos games bastante... única. A ultima vez que aconteceu algo assim foi quando os jogos passaram de 2D para 3D, a diferença é que hoje estamos passando do bom e velho pauzinho da alegria (a.k.a. Joystick) para sair correndo pela sala dando piruetas. O que significa, é claro, que é hora de ligar os ventiladores porque shitty times virão com a força de um mamute diarréico. Pense o que quiser do 3DS, Kinect ou o pirulitão da Sony, o fato é que até eles pegarem o jeito de não fazerem porras constrangedoras que usem bem os novos recursos muita porcaria ainda vai rolar (voce pode contestar que a Nintendo conseguiu uma ou duas vezes com o Wii, mas aí eu posso te mandar ir arrumar uma trouxa de roupa pra lavar e não me encher os pacovas). E como eu sei disso? Ora, por dois motivos muito simples: A) EU SOU FODA PRA CARALHO e B) Já aconteceu isso antes.

"Como assim já aconteceu antes?" você me pergunta estupefato e eu te respondo pra pegar um banquinho que o tio C vai te contar uma história (sim, tem fadas e princesas nessa história, pode continuar lendo)

O ano era 1996 e o mundo era um lugar estranho e assustador para os seus padrões eminhos de hoje. Os americanos furariam os olhos com uma colher de plastico enferrujada antes de eleger um presidente negro, o Brasil ainda era Tetra e Fantasia era a alegria da molecada de férias (imagine um mundo sem internet, naturalmente). Ah sim, e Justin Bieber tinha tipo uns menos quatro anos. Naquele ano o esquisito (como assim naõ tem fita pra soprar?) Playstation ainda lutava para consolidar seu lugar ao sol e os games migravam do Super Nintendo para os 32 bits (qualquer pessoa de bem ignora qualquer merda que a SEGA tenha feito, falows?), o problema é que os caras não sabiam como fazer isso.

"Oh, ok, os jogos agora tem graficos 3D mas... que tipo de jogo a gente faz com isso?" Era a duvida deles, que se voce parar pra pensar (não pense muito pq dói) é o mesmissimo dilema dos games de hoje, só que em outras areas. E na falta de algo melhor pra fazer, eles faziam os mesmos jogos só que com gráficos 3D, o que nos brindava com pérolas absurdamente esqueciveis como Spyro The Dragon ou Crash Bandicoot. Ai voce putinha safadenha vai dar um chilique nojentinho dizendo que são bons jogos e eu vou te mandar tomar tomate cru porque voce nem lembrava desses jogos até eu cita-los. Enfim, o PS1 era uma senhora coletanea de lixo por onde quer que se olhe. Pra cada Syphon Filter tinha 15783 "Mission Impossible – The game" soltos por aí e um cavalo com ulcera fecal não regurgitaria tanta podridão nem com muito treino e 2 Chokitos. Novamente, não parece familiar com o que acontece hoje em dia?

Pois bem, essa putelança de "aimeldelwzzz ki ki a xenti faizz cum essiii 3D?!?!?" durou até que um bando de japoneses culhudos colocaram as bolas na mesa e disseram: "SUAS BICHAS EXOTÉRICAS, OLHA COMO SE FAZ ESSA PORRA!". E foi dessa leva que nasceram os grandes jogos do PS1 (aqueles que voce sabe citar de cabeça). E Resident Evil 1 não era só um deles, como um dos melhores deles.

Pra voces terem uma idéia de como esse jogo é bom, mas tão bom, mas tão bom que ele não foi um fracasso de vendas apesar da capa horrorosa que ele tinha. Sério véi, que porra mulambenta é essa? É um dos trecos mais feios que eu já vi na minha vida, e olha que eu já vi uma vaca encoxar uma ovelha no pasto...

http://www.thairpg.com/wp-content/uploads/2010/06/thairpg-resident-evil-1-ps1.jpg

Cara, sério... Já conheci gente fazendo por terapia por muito menos do que olhar pra isso...

Mas continuando, se voce conseguisse contrabandear o CD da loja (nenhum pai que mereça a guarda de seus filhos permitiria que este comprasse um jogo de capa tão horrenda), seria brindado não só com um novo jogo, mas introduzido (ui!) em um genero de jogos totalmente novos! Senhoras, aliens verdes e senhores, estamos falando, é claro, dos Survival Horror. Porra, um genero novo! (quem foi bichinha de PC gamer e pensou em "Alone in the Dark" favor se retirar para o canto e refletir no quanto sua vida é vergonhosa) Quantas vezes você abre um jogo e se depara com isso? DUCA, eu digo, DUCA!

Alias dá pra notar no jogo que todo o esforço da Capcom foi em prender a atenção do jogador desde o primeiro minuto, desde o primo do Undertaker dizendo "RESIDENT EVIL" até a abertura com imagens filmadas e atores reais e... espera, atores? HOLY CRAP OF DARKNESS, isso era realmente épico! (e sim, novamente eu compartilho da minha secreção anal para com os pobres coitados que tinham um *sic * SEGA CD pq estamos falando de videogames de verdade aqui, ok?). Na época era realmente inenarravel uma abertura filmada com atores contando como os fodidos do BRAVO TEAM foram deixados para os mortos numa mansão no meio da PQP de Guaxinilandia (sério, Racoon City?). Hoje eu acho isso muito mais incrivel ainda na verdade, apenas porque o video é um nível trash-fundo-de-quintal que faria Tarantino se revirar na tumba (caso estivesse morto, é claro, ou tenha um estranho fetiche por comer groupies em covas abertas). Quer dizer, eles usam claramente um cachorro empalhado cuja cabeça explode num take que remete a toda majestade e glória dos filmes B! E o que dizer da espontainedade... bom, constrangimento... dos atores? This is fucking epic win, sir!

Alem da introdução avassaladora, o jogo então mostra o "cast" do seu elenco (na versão japonesa Chris acende um cigarro na sua apresentação, bons tempos do politicamente incorreto que não voltam mais) e voce tem duas opções de escolha sobre com quem jogar: o cara grande e forte ou a menina magrelinha e esperta. Chris Redfield e Jill Valentine, respectivamente.

A grande sacada aqui é que o personagem que voce escolhe reflete a dificuldade do jogo e isso é outra dessas coisas incriveis que o politicamente correto baniu de nossas vidas para sempre. Permita-me explicar: jogar com a Jill é abusivamente mais fácil porque, bem, ser mulher é abusivamente mais fácil na vida real. E não antes que você mova seus dedinhos de cavaleiro branco da internet para o teclado, apenas tenha em mente uma coisa: VOCÊ SABE QUE EU ESTOU CERTO E VOCÊ ESTÁ ERRADO. RÁ!

Oh, você está preso em um buraco e não tem como sair? Não tema, se voce for uma menininha tem um cara grande e forte pra jogar uma corda e salvar seu (belo) rabo feminino. Não entendeu a formula pra fazer a poção de matar a planta hentai estupradora de almas? Não tema, o cara grande e forte salva seu rabecho denovo. I mean, é abusivamente mais fácil jogar com a Jill porque assim como acontece no nosso mundo, ou ela teve treinamento numa coisa idiota e futil que só mulherzinhas podem fazer (tipo tocar piano) ou porque se ela estalar os dedos um cara vai rasgar o seu proprio orificio anal com um alicate belga para salva-la sem pedir nada em troca.

Jogando com o Chris voce tem a ajuda da... Sakura. Sério, não sei o que o personagem mais dispensavel e idiota de Street Fighter está na mansão ou porque chamam ela de Rebecca, mas quando a tosquinha da Sakura é toda ajuda que voce vai ter... bom, voce tem uma grande idéia do quanto está por sua própria conta...

Dito isso, falemos do jogo.

Em Resident Evil você está preso em, como já foi dito, numa mansão (com gráficos todos renderizados, uau) na PQP da zona rural de Guaxinilandia com cachorros du mau fr0m h3ll do lado de fora e coisas mais estranhas ainda do lado de dentro. Sua missão é simples: achar um caminho para fora dali, seja ele qual for e sobreviver enquanto descobre que porra aconteceu naquele pardiero, bátima! (através de diarios e cutscenes "magnificamente" atuadas, que só tornam a canastrice do "filme B" mais épica ainda)

Básicamente a pira é andar aleatóriamente até encontrar um lugar trancado, quando encontrar voce sabe que é para lá que tem que ir – resolvendo alguns puzzles ao redor da mansão para tal (coisas como pegar uma manivela na lavanderia, que deus não me conte como foi parar lá, para manivelar a agua do patio e abrir caminho na fonte). Enquanto voce passeia feliz e saltitante pela mansão, coisas menos felizes e saltitantes tentam te tornar um cadaver bastante infeliz e nada saltitante. É claro que eu estou falando de fucking zombies e isso por si só já faz do jogo imperdivel. Porque matar zumbis e nazistas nunca é errado ou ruim. NUNCA.

Mas não pense, no advento de voce pensar, que o jogo é um carnage de sangue (que a série infelizmente acabou virando, argh) e essa que é a pira do survival horror: os inimigos não dão respawn infinito, mas sua munição também é limitada... bem limitada (mais limitada se voce jogar no hard do que se for uma mulherzinha que ganha tudo na mão, claro) e no fim é tudo sobre o clima. Voce passa um bom tempo andando sozinho e ouvindo apenas seus passos, não é questão de abrir caminho a bala e sim do PUTA CAGAÇO QUE VOCE VAI LEVAR quando abrir a porta com duas balas na shotgun e um hunter voar para separar sua cabeça de luz do seu pescoço de luz. É tudo sobre clima, no fim das contas e embora hoje o jogo seria estuprado por qualquer site não ter uma trilha orquestrada por 514 musicos canhotos, o silencio e a tensão é o grande trunfo aqui. Claro, ainda é um jogo de ação e quando o pau come, o pau come – não é um "Silent aimeborrei Hill".

Tecnicamente falando, é um adventure 3D (achar o item A, CAGAR um espaço no seu inventario pra carrega-lo até onde ele é necessário junto com a munição e as curas) com momentos de ação de cagar a ripa.

Este, meus amigos, foi o responsável pela crise economica de 2008.
"Gente branca de olhos azuis"

Por algum motivo estranho, Resident Evil 5 se passa na Africa e logo os zumbis são pessoas negras. O jogo foi racista por te fazer matar gente negra. Mas matar gente branca como o camarada ai tudo bem né?

Falando em ação, os controles são meio estranhos... tipo se eu explicar aqui voce não entenderia (até pq, como já estabelecemos, você é burro pra caralho mesmo), mas algo que até um texugo com mal de parkinson conseguiria jogar. É mais simples do que soa: voce aponta a arma com R1, gira pros lados com <> e avança e recua com CIMA e BAIXO. Colocando assim parece uma zona da porra, mas realmente é mais fácil do que parece e no fim das contas explodir monstros é uma sensação absurdamente fucking good gostosa, só superada pela sensação de mirar NO SACO do zumbi pra arrancar as pernas dele e ver ele se arrastando numa agonia atesticular. E atirar no saco de zumbis é uma das coisas mais divertidas que se pode fazer durante o seu proprio apocalipse zumbi pessoal (anota ae)

E o pior mesmo é que apesar das atuações épicas canastronas dos atores (atores é bondade da minha parte, chamaram os primos dos caras pra dublar, só pode), a história até que é legalzinha e voce vai se envolvendo mais e mais na trama que levou aquele inferno de aberrações mutantes, zumbis e o Johnny Bravo dumau. Em determinado ponto voce realmente está se perguntando que porra é aquela toda, bátima, ou se o seu parceiro está vivo (no caso de estar jogando com o Chris, o desejo é o de que a Sakura tenha tropeçado e esteja sendo estuprada por 157 zumbis jamaicanos nessemomento) e isso é mais do que muitos jogos conseguem. E sério, uma história que tem o Johnny Bravo fr0m h311 não tem como ser uma história ruim.

http://www.spydersempire.com/bravo/stealing-bandwith_can_get_expensive_as_you_will_soon_see.jpg

Albert Wesker, líder da missão e peça-chave na trama. Ao menos enquanto tiver seu pente.

Não obstante, suas escolhas durante a história decidem qual dois 6 finais (três para cada personagem, após uma batalha final contra o tempo que envolve um monstro de 2m de altura e um pusta da porra de um LANÇA MISSEIS PORTATIL!!!) voce vai ter – todos finais filmados e que envolvem helicopteros e explosões, desnecessário dizer mais. Mesmo alguem como voce consegue compreender a fodiçonice disso, creio eu (embora eu seja reconhecidamente um otimista.

Resumindo então, Resident Evil foi um pusta jogadzoo que liderou uma geração de pusta jogadzoo a uma nova e gloriosa era de gaminagem e se voce não sabe disso ou não entendeu até esse ponto é pq vc tem problemas sérios. O que eu realmente espero é que com essa porcariada toda de jogar dançando e tal, que surja logo um Resident Evil para liderar os jogos a um glorioso rumo certo, pq do contrário é as coisas apenas se abichornarem mais e mais até o não tão distante dia que teremos um vergonhoso videogame que funciona a base de peidos. Voce pode rir do Peidostation (que eu já patenteei e o processo vai comer direto e reto quando lançarem, RA!), mas essa é a nossa terrível realidade a menos que tenhamos um Resident Evil da vida e logo. Mesmo com uma capa tão mequetrefe.

COMO FUNCIONAM AS SÉRIES

2010-10-19T18:40:00.000-02:00

Claro que há as exceções, como Os Simpsons e South Park, mas achei incrivelmente divertido notar como a fórmula se aplica à maioria dos seriados que já acompanhei.

(artigo traduzido da webcomic Subnormality)

Primeira temporada - a série ainda luta para se consolidar, contando com o benefício da dúvida.

Segunda temporada - elementos que pareciam bons no papel, mas não funcionaram na tela, são removidos; escritores e atores começam a encontrar o tom dos personagens; a série vai construindo sua identidade.

Terceira temporada - por tentativa e erro, tudo acabou em seu devido lugar, e a série desfruta de uma zona de conforto; histórias simples podem ser contadas sem que os roteiristas pareçam ter perdido a ambição; surgem muitos episódios clássicos.

Quarta temporada - equidistante do auge e da decadência da série; as histórias são construídas sobre modelos pré-estabelecidos sem parecerem ridículas; os escritores ainda têm um considerável estoque de boas ideias.

Quinta temporada - os escritores começam a ficar desesperados e a usar todas as ideias que já tiveram na vida; a equipe criativa original ainda está inalterada e ainda tem algo a provar, não dando o sucesso da série como garantido (mas isso fatalmente acontecerá).

Sexta temporada - os membros da equipe criativa original começam a sair, em sua maioria para tocar projetos pessoais destinados a durar pouco; os roteiristas começam a se repetir e cair em padrões; os personagens começam a cair na autoparódia, por medo de arriscar o bem-sucedido (e lucrativo) ritmo da série; a última temporada em que o número de bons episódios supera o de ruins.

Sétima temporada - os escritores estão sem ideias, e a equipe criativa compensa elevando os gastos de produção; os personagens agora são moldados para acomodar as tramas, em vez das histórias serem desenvolvidas de acordo com suas personalidades; qual quer que fosse a motivação original da série, ela está distante demais para que os escritores se lembrem; temos eventuais bons episódios, mas isso se deve às leis da probabilidade e estatística; a série ainda pode terminar com dignidade, mas essa é a sua última chance de fazê-lo.

Oitava temporada e além - a série se torna um pálido reflexo de seus melhores dias, existindo apenas para manter as carreiras de seus maquiavélicos criadores; os personagens são quase irreconhecíveis em relação às suas versões originais, com suas personalidades removidas para facilitar a manipulação.

Cada temporada além da sétima cancela uma das anteriores em termos de legado da série – ou seja, uma série que chegue à 14ª temporada estará virtualmente morta-viva.

Se uma série não for cancelada quando fica claro que seu período de vida útil terminou, o melhor é fazer é reunir um grupo de amigos armados até os dentes, cercar os membros da produção numa garagem e eliminá-los pelo bem da civilização ocidental. Ou então simplesmente parar de assistir à referida série. ;)